CineMerida

LOS DESCENDIENTES La amplitud de una mirada humanista

2012-01-25T09:59:00.008+01:00

Si uno cometiera el error de crearse sus expectativas sobre Los Descendientes en base únicamente a su argumento, lo más normal es que saliera huyendo a las primeras de cambio: la historia de un abogado de éxito absorbido por su trabajo al que el accidente de su esposa la deja en coma y le obliga a replantearse su relación con ésta, con sus dos problemáticas hijas y hasta el sentido de su existencia parece propia de un temible telefilme de sobremesa. ¿Qué tiene pues Los Descendientes para, con un argumento en apariencia tan convencional, ser una de las películas más estimulantes y deliciosas de los últimos meses? La clave no es otra que Alexander Payne, que sabe dotar a los personajes de sus historias de una inusitada humanidad a la que no hay quien se resista. Nada nuevo: pese a las diferencias argumentales de Election, A Propósito de Schmidt o Entre Copas, todas ellas eran historias que giraban en mayor o en menor medida en torno a la idea del fracaso y quizás redención de hombres perdidos en profundas crisis de identidad que emprenden o se ven obligados a realizar un itinerario más que físico emocional tras el cual no serán los mismos.

Payne recurre de nuevo a la voz en off (qué difícil sigue siendo usar bien ese recurso narrativo hoy en día) y a esa admirable habilidad que le permite clavar personajes con apenas un par de trazos para construir una historia que navega con desarmante facilidad entre el drama y la comedia o, mejor dicho, consigue que un drama desgarrador se presente ante el espectador como una comedia ligera y adentrarse en sus vertientes más dolorosas sin alzar jamás la voz ni enfatizar nada, como relativizando la importancia del proceso que atraviesa Matt King y aquellos que le rodean. Es un pequeño milagro: si uno se para un instante a considerarlo, la historia que narra Los Descendientes resulta de una dureza considerable. Pero Payne rebaja su crudeza sin que por ello se resienta lo más mínimo su profundidad emocional. Muy al contrario, lo que narra cala y persigue al espectador hasta mucho después que se encienden las luces. Como deben hacer las buenas historias.

Payne tiene un gran aliado en un George Clooney magnífico capaz de conjugar vulnerabilidad y determinación en su personaje, ese improbable “rey” de su mundo que sin embargo se pasea por el mismo desconcertado y superado por todo lo que le rodea, que interioriza el tremendo desgarro interior que sufre y exterioriza una imagen a ratos patética y a ratos furiosa por su incapacidad de controlar todo aquello que debería estar bajo su mando. No le van a la zaga ni sus hijas – ojo a ese descubrimiento llamado Shailene Woodley – ni ese patán añadido al viaje que luego se revelará como un firme apoyo.

La amplitud de miras de Payne, capaz de presentar al suegro de King como un arrogante cabronazo y a la vez un padre roto por el dolor, un solo ejemplo de las múltiples ocasiones – solo hay que ver los dos monólogos tan distintos en forma y tono que King mantiene con su yaciente esposa – en las que Payne consigue eso tan difícil de mostrar a los seres humanos como caras opuestas de una misma moneda, permite a Los Descendientes configurarse como una obra llena de contrastes pero rica en matices y por encima de todo, profundamente humanista en el más amplio sentido del término.

Todos tienen sus razones. Payne se esfuerza en que entendamos y queramos a las criaturas que pueblan su pantalla, acaso porque reconocemos en sus contradicciones, sus flaquezas y sus miserias las nuestras propias. Pero también nuestra capacidad de sobreponernos a ellas. La familia, ese archipiélago de islas, puede tender puentes en la transmisión de las herencias recibidas, en la comunión ante el dolor y la pérdida o en la necesidad de comprender y la pueril venganza. La realidad que se oculta tras las apariencias, tras las mentiras, incluso aquellas que nos contamos a nosotros mismos, vuelve a ser el eje sobre el que gira la película de Payne. Pero la sensación que queda no es ni la de un angustioso fracaso ni la de una rotunda redención. Es poco más que un nuevo y acaso esperanzador comienzo.

LOS DESCENDIENTES EN DIAS DE CINE

LAS NIEVES DEL KILIMANJARO y THE ARTIST, triunfadoras del VI FCIM

2011-12-03T11:23:00.000+01:00

Ayer viernes 02 de Diciembre del 2011 se cerró la sexta edición del Festival de Cine Inédito de Mérida con la gala de clausura en la que se entregaron los Premios Miradas y se dieron a conocer los resultados de las votaciones del Premio del Público y el Premio de la Juventud concedido por el Jurado Joven. La ganadora de esa edición, por el margen más estrecho de la historia del FCIM, ha sido la película del francés Robert Guedigian LAS NIEVES DEL KILIMANJARO, que ya obtuvo la Espiga de Plata y el premio del Público en la pasada Seminci de Valladolid y a la que recientemente le ha sido concedido el Premio Lux del Parlamento Europeo. Las votaciones quedaron como sigue:

1. LAS NIEVES DEL KILIMANJARO de Robert Guedigian (Francia) 8.582 / 10

2. THE ARTIST de Michel Hazanavicius (Francia) 8.558 / 10

3. PROFESOR LAZHAR de Philippe Falardeau (Canadá) 8.472 / 10

4. TIRANOSAURIO de Paddy Considine (Reino Unido) 8.285 / 10

5. EL HAVRE de Aki Kaurismaki (Finlandia – Francia) 7.750 / 10

6. MILAGRO de Hirokazu Kore-Eda (Japón) 7.303 / 10

Por su parte el Jurado Joven compuesto por estudiantes de secundaria de la localidad decidió otorgar una mención especial a LAS NIEVES DEL KILIMANJARO “por su defensa de la dignidad y los principios en épocas de crisis” y conceder el Premio de la Juventud a THE ARTIST, justificándolo de la siguiente forma:

"Hemos decidido otorgar el premio de mejor película a The Artist por su originalidad, que es lo que la distingue del resto de magníficas propuestas, por la soberbia interpretación de Jean Dujardin, por su fascinante recreación del mejor cine mudo, aquel que transmitía emociones sin necesidad de abusar de la palabra y confiando en el poder narrativo de la imagen. Pero sobre todo porque en una época en la que está tan en boga la innovación tecnológica nos parece muy importante premiar la valentía de realizar una película mediante modo de hacer cine que lamentablemente se ha perdido y lo que es más, que lo haga con éxito."

La valoración media de las películas del Festival en el Premio del Público ha alcanzado un nuevo record histórico al situarse en un 8.158 sobre 10 después de contabilizar los 1001 votos emitidos, siendo pues la edición más valorada por los espectadores al superar el 7.659 del año pasado.

En cuanto a los datos de asistencia, la asociación Cine Club Forum cifra en aproximadamente dos mil espectadores los asistentes al FCIM, a los que habría que sumar los aproximadamente cuatro mil niños que han asistido a la Sección Cine y Escuela. La Sección Oficial ha contado con una media de 261 espectadores por película, destacando en especial el éxito del pase en Cinesa el Foro de la película de Wim Wenders PINA 3D, la más vista del Festival. Ambos datos son superiores a las cifras de asistencia del año pasado, por lo cual la organización del Festival ha mostrado su satisfacción al haber conseguido elevar el nivel de asistencia en un año marcado por la crisis y los recortes presupuestarios en el que se ha ofrecido el mensaje del cine como refugio.

VI FCIM Agenda Jueves 01: DRACULA PAGES FROM A VIRGIN'S DIARY, THE ARTIST, PINA 3D

2011-12-01T14:44:00.005+01:00

¡Saludos a Todos!

Abordamos ya la recta final del VI Festival de Cine Inédito con un menú de películas que dialogan y se complementan de maravilla entre sí desde estilos narrativos contrapuestos y con la danza como elemento común a las tres propuestas, una en cada una de las tres sedes del Festival, ya que hoy incorporamos al mismo a Cinesa El Foro gracias al pase especial de PINA 3D de Wim Wenders que esperamos sea todo un éxito. Por cierto, si tienes intención de acudir y aun no tienes tu entrada, te recomendamos que te hagas de ella lo antes posible y que no esperes al último momento: no nos gustaría que te quedaras sin ella. Los horarios de las proyecciones de hoy son los siguientes:

17:00 DRACULA: PAGES FROM A VIRGIN'S DIARY 75' - Diálogos de Cine - Caja Badajoz - Entrada gratuita

19:30 THE ARTIST 100' - Sección Oficial a Concurso - Centro Cultural Alcazaba

21:30 PINA 3D 103' - Sección Oficial Fuera de Concurso - Cinesa el Foro 3D

Como siempre, os rogamos que reenviéis y difundáis este mail entre aquellos de vuestros contactos que pudieran estar interesados en acudir al Festival y que toda la información del mismo la podéis encontrar en nuestra página web www.festivalcinemerida.com y en las actualizaciones diarias de nuestra página en Facebook Festival de Cine Inédito de Mérida. ¡Muchas gracias y os esperamos!

DRACULA, PAGES FROM A VIRGIN’S DIARY

Guy Maddin :: Canada :: 2002

Dirección: Guy Maddin

Guión: Bram Stoker (Novela Original) y Mark Godden (Ballet)

Duración: 75 min

Interpretación: Zhang Wei-Qiang, Tara Birtwhistle, David Moroni, Cindy Marie Small, Johnny Wright

Fotografía: Paul Suderman

Música: Gustav Mahler adaptado por Russ Dyck y Bruce Little

Montaje: Deco Dawson

Caja de Badajoz
Jueves 01 de Diciembre 17:00

SINOPSIS: En Londres están ocurriendo unos sucesos muy extraños. Lucy Westenra, una dama de la alta sociedad, padece una enfermedad que sólo el doctor Van Helsing puede curar: ha sido mordida por un vampiro. Éste es el comienzo de la lucha entre Van Helsing, los pretendientes de Lucy y el seductor vampiro extranjero. Singular adaptación del clásico de Bram Stoker al mundo del ballet por Mark Godden y coreografiada por los miembros de la compañía "Canada’s Royal Winnipeg Ballet"

DIÁLOGOS DE CINE: Ver THE ARTIST de Michel Hazanavicious. The Artist recupera el placer de narrar en imágenes propio del cine mudo, convirtiéndose en todo un homenaje a un estilo de hacer cine casi desaparecido si no fuera por directores como Guy Maddin que precisamente se distinguen por recrear en su cine la estética del cine mudo. Resulta natural contraponer esta película a THE ARTIST con la ventaja añadida que también dialoga con otra película, ésta fuera de concurso, de la Sección Oficial, el maravilloso documental PINA de Win Wenders.

THE ARTIST

Michel Hazanavicius :: Francia :: 2011

Sección Oficial a Concurso

Dirección: Michel Hazanavicius
Guión: Michel Hazanavicius
Duración: 100 min
Interpretación: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman
Fotografía: Guillaume Schiffman
Música: Ludovic Bource
Montaje: Anne-Sophie Bion, Michel Hazanavicius

Centro Cultural Alcazaba
Jueves 01 de Diciembre 19:30

SINOPSIS: Hollywood, 1927. George Valentin es un célebre actor del cine mudo al que todo le sonríe. La llegada del cine sonoro marca el final de su carrera y lo lleva a caer en el olvido, mientras la joven extra Peppy Miller empieza a ser propulsada hacia el firmamento de las estrellas. The Artist cuenta estos dos destinos entrelazados.

PINA

Wim Wenders :: Alemania-Francia-Reino Unido :: 2011

Sección Oficial Fuera de Concurso – Pase Único

Dirección: Wim Wenders
Guión: Wim Wenders
Duración: 103 min
Interpretación: Regina Advento, Malou Airaudo, Ruth Amarante, Pina Bausch, Jorge Puerta Armenta
Fotografía: Hélène Louvart, Jörg WidmerMúsica: Thom HanreichMontaje: Toni Froschhammer

CINESA EL FORO 3D (Pase Único)
Jueves 01 de Diciembre 21:30

SINOPSIS: Pina es un largometraje en 3D sobre la Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, compañía de danza fundada por la gran coreógrafa alemana. A través de un viaje sensual, visualmente muy impactante, Wenders acerca al espectador sus coreografías más conocidas. Escrito, dirigido y producido por Wim Wenders, este film experimental revoluciona la relación entre el cine y la danza, no sólo por estar grabado en 3D, sino por la originalidad de su planteamiento. Está rodado íntegramente en escenarios urbanos y naturales de Wuppertal, ciudad alemana en la que Pina Bausch residió durante 35 años.

DIRECTOR: Wim Wenders se ha convertido en uno de los nombres legendarios del cine alemán gracias a inolvidables películas como Alicia en las ciudades (1974) El Amigo Americano, (1977), Paris-Texas (1984) o El Cielo sobre Berlín, (1987). Pina fue presentada en la última edición del Festival de Berlín y obtuvo el galardón al Mejor Documental en los premios anuales del cine alemán. Es la candidata de Alemania para el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa.

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VI FCIM Agenda Miercoles 30: DEAD MAN'S SHOES, PLACIDO, TIRANOSAURIO, THE ARTIST

2011-11-30T09:06:00.010+01:00

¡Saludos a Todos!

En este miércoles en el que las nieblas de la Mártir Santa Eulalia ya han hecho su aparición, nada mejor para combatir el frío que venir al cine, en el día en el que tenemos más proyecciones, ya que a la habitual película de Diálogos de Cine, DEAD MAN'S SHOES y las dos de Sección Oficial a concurso, la repetición de TIRANOSAURIO y el esperado estreno de THE ARTIST hay que sumar la proyección especial para mayores - pero abierta a todo el público - de una de las obras maestras del cine español de todos los tiempos, PLÁCIDO, que nos sirve al tiempo para rendir merecido homenaje a dos de los grandes maestros de nuestro cine, Luis García Berlanga y Rafael Azcona. Las proyecciones de hoy son las siguientes:

- 17:00 DEAD MAN'S SHOES - Diálogos de Cine - Caja Badajoz - Entrada Gratuita

- 17:15 PLÁCIDO - Sesión Especial Mayores - Centro Cultural Alcazaba - Entrada Gratuita

- 19:30 TIRANOSAURIO - Sección Oficial - Centro Cultural Alcazaba

- 21:30 THE ARTIST - Sección Oficial - Centro Cultural Alcazaba

DEAD MAN’S SHOES

Shane Meadows :: Reino Unido :: 2004

Dirección: Shane Meadows

Guión: Paddy Considine y Shane Meadows

Duración: 90 min

Interpretación: Paddy Considine, Gary Stretch, Toby Kebbell, Jo Hartley, Seamus O'Neal

Fotografía: Danny Cohen

Música: Aphex Twin

Montaje: Chris Wyatt, Lucas Roche y Celia Haining

Caja de Badajoz
Miércoles 30 de Noviembre 17:00

SINOPSIS: Richard, un ex soldado de las fuerzas especiales británicas, regresa al pequeño pueblo en el que creció para reencontrarse con su hermano pequeño Anthony, que sufre un ligero retraso mental. Allí Richard hace frente a Sonny, un camello local y delincuente de poca monta que justo a sus tres secuaces lleva varios años aterrorizando la localidad. Pero no está acostumbrado a encontrar resistencia y menos del modo tan imaginativo que Richard la aplica. Poco a poco, descubriremos que Richard está llevando a cabo una meticulosa venganza.

DIÁLOGOS DE CINE: Ver TIRANOSAURIO de Paddy Considine. Este insólito retrato de una peculiar venganza no exenta de violencia en una pequeña localidad rural que se muestra en DEAD MAN'S SHOES mantiene ciertos puntos de contacto con su debut como director que creemos interesante destacar. La construcción del personaje de Peter Mullan, su representación de la violencia, la necesaria descripción del ambiente donde vive y su pasado... Muchas cosas en TIRANOSAURIO remiten a la influencia de esta película de Shane Meadows no en vano protagonizada y co-escrita por el propio Considine.

PLÁCIDO

Luis García Berlanga :: España :: 1961

Sesión Especial Cine Para Mayores

Dirección: Luis García Berlanga
Guión: Rafael Azcona, José Luis Colina, José Luis Font, Luis García Berlanga
Duración: 83 min
Interpretación: Cassen, Jose Luis Lopez Vázquez, Manuel Alexandre, Agustín González, Amelia de la Torre, Amparo Soler Real, Mari Carmen Yepes
Fotografía: Francisco Sempere.
Música: Miguel Asins Arbó
Montaje: Jose Antonio Rojo

Centro Cultural Alcazaba

Miércoles 30 de Noviembre 17:15

SINOPSIS: Nochebuena en una pequeña ciudad de provincias española, Ollas Cocinex patrocina una subasta a la que acuden artistas de Madrid para invitar a cenar a un pobre en casa de cada familia de ricos. Mientras Plácido, contratado para que recorra por la ciudad una estrella navideña en su recién estrenado motocarro, debe abonar la primera letra del modesto vehículo antes de la puesta de sol.

DIRECTOR: Luis García Berlanga debutó como director en 1951 con Esa Pareja Feliz, en la que colaboraba con Juan Antonio Bardem. Junto a éste, se lo considera uno de los renovadores del cine español de posguerra. Entre sus películas destacan títulos célebres de la historia del cine español, como El Verdugo (1963) o Bienvenido, Mister Marshall (1952). Trabajó en siete ocasiones con el guionista Rafael Azcona. Su cine se caracteriza por su mordaz ironía y sus ácidas sátiras sobre diferentes situaciones sociales y políticas. En la etapa de la dictadura franquista despuntó su habilidad para burlar la censura de la época con situaciones y diálogos no excesivamente explícitos pero de inteligente lectura y consiguió llevar a cabo proyectos tan atrevidos como Los Jueves, Milagro (1957). Plácido fue nominada para el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1961.Otros títulos relevantes de uno de los mejores directores de la historia del cine español son Calabuch (1956), ¡Vivan Los Novios! (1970), Tamaño Natural (1973), La Escopeta Nacional (1977), La Vaquilla (1985) o Todos a la Cárcel (1993)

TIRANOSAURIO
(Tyrannosaur)

Paddy Considine :: Reino Unido :: 2011

Sección Oficial a Concurso

Dirección: Paddy Considine
Guión: Paddy Considine
Duración: 91 min
Interpretación: Peter Mullan, Olivia Colman, Eddie Marsan
Fotografía: Erik Wilson
Música: Chris Baldwin, Dan Baker
Montaje: Pia Di Ciaula

Centro Cultural Alcazaba
iércoles 30 de Noviembre 19:30

SINOPSIS: Joseph, un viudo alcohólico y dominado por la violencia, encuentra la esperanza de la redención en Hannah, una trabajadora de la caridad cristiana. Joseph se burla de la fe de Hannah y de su idílica existencia. Sin embargo, rápidamente se da cuenta de que la vida de Hannah no tiene nada de plácida. Según avanza su relación, ambos llegan a darse cuenta de cómo el amor y la amistad pueden encontrarse incluso en los lugares más oscuros.

THE ARTIST

Michel Hazanavicius :: Francia :: 2011

Sección Oficial a Concurso

DIRECTOR: En la pasada edición del Festival de Cannes, The Artist obtuvo el Premio al Mejor Actor para su protagonista, Jean Dujardin. Michel Hazanavicius se hizo muy popular en Francia gracias a sus parodias del cine de espías que también protagonizó Jean Dujardin, OSS 117: El Cairo, nido de espías, (2006) y OSS 117: Perdido en Río (2009).

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PROFESOR LAZHAR, El triunfo de la sencillez

2011-11-29T15:25:00.006+01:00

Hay ocasiones en las que la ristra de premios que anteceden a una película, en este caso el Premio del Público en el Festival de Locarno, así como el Mejor Guión y el Premio Fipresci de la Seminci de Valladolid, sin olvidar la nominación por Canadá para los oscars de este año, resultan de lo más comprensible. Pocas propuestas más agradables y bien realizadas he tenido ocasión de ver este año como esta sencilla y sin embargo muy interesante película del para mi hasta ahora desconocido Philippe Falardeau, aunque éste sea su cuarto largometraje. La película está producida por los mismos responsables de la ganadora del año pasado del V FCIM 2010, Incendies. Y yo aquí hago mi apuesta particular de todos los años con alguna de las películas de la Sección Oficial: el año pasado me la jugué a que INSIDE JOB ganaría el oscar a Mejor Documental y así fue. Este año apuesto a que PROFESOR LAZHAR estará entre las cinco finalistas al Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa. Ganarlo es otra cosa - las competidoras serán muy duras - pero desde luego lo tiene todo para conseguir ser finalista...

Arranca la película con un hecho terrible: el suicidio ahorcándose en clase de una profesora de primaria, siendo su cuerpo descubierto por uno de sus alumnos. Con semejante mazazo en la cabeza, la película nos presenta de inmediato al protagonista de la historia, ese profesor sustituto, argelino de origen, inmigrante y exiliado político que huye de su pasado y que se ofrece como sustituto para una clase lógicamente traumatizada ante la inexplicable desaparición de su profesora, cuyos alumnos de diez años han de lidiar, cada uno a su manera, con el inevitable duelo. El Profesor Lahzar, todo amabilidad, sensibilidad, inteligencia y comprensión – esos valores que hacen que nunca olvides a un profesor que haya sido capaz de conjugarlos con la paciencia de aguantarte para enseñarte algo – será el encargado de acompañarles en ese proceso.

Es Profesor Lazhar un prodigio de sencillez y sentido común capaz de plantear con precisión y contundencia no solo cuestiones interesantísimas relativas a la figura y el papel de un profesor hoy en día, cuestionando de frente y sin ambages la evolución del modelo tradicional hacia este sistema actual en el que, más que con niños, los profesores parecen abocados más a tratar con residuos radioactivos, como se afirma con no poca sorna en un momento del filme, sino tocando asimismo con precisión y sutileza temas como la inmigración, el exilio, la incomprensión, la extraña actitud ante la muerte, el abandono parental o las distintas formas de enfrentarse al proceso de duelo. Viendo las imágenes de la película de Falardeau uno se plantea seriamente por qué demonios resulta absolutamente imposible imaginarse una película así, tan sencilla, bien hecha y repleta de inteligencia, en el cine español. Parece como si los franceses – recuerden La Clase, que ya estuvo en Mérida en el III FCIM, Hoy Comienza Todo, Ser y Tener... – o sus primos francófonos canadienses tuvieran una especial sensibilidad a la hora de abordar un tema tan esencial para el futuro de cualquier país como es la educación. Como me gustaría, en estos tiempos oscuros en los que la crisis parece la excusa ideal para recortar lo que nunca se debería tocar, que alguien tuviera en España los arrestos (y el talento, claro) suficientes para hacer una película la mitad de valiente, efectiva y bien realizada que ésta.

Su protagonista, Fellag, maneja de forma inmejorable un buen puñado de registros para encarnar a ese profesor que desde la humildad y el afecto consigue conectar con esos niños y, más allá de enseñarles lo de siempre, educarles en algo aun más importante, los valores que son necesarios para saber conducirse por la vida. Con el humor como una forma de mostrar la realidad, con afecto, sin cruzar nunca la línea de la sensiblería y dejando caer de vez en cuando notables cargas de profundidad que no pasan desapercibidas – ojo a ese chaval, por cierto de apellido Garrido, que desvela en clase como quien no quiere la cosa un terrible hecho del pasado de su familia que te deja literalmente clavado en la butaca o la catarsis entre los dos niños principales, ambos un prodigio de naturalidad – Profesor Lahzar juega sus cartas con inteligencia, toca el corazón del espectador y conmueve de principio a fin. Para recordar por un rato a ese buen profesor o profesora que todos tuvimos alguna vez.

VI FCIM Agenda Martes 29: SER Y TENER, PROFESOR LAZHAR, TIRANOSAURIO

2011-11-29T08:43:00.007+01:00

¡Saludos a Todos!

La agenda de hoy comienza con dos películas que reflexionan desde dos posiciones muy distintas pero complementarias sobre la educación en valores y la importancia de la figura del profesor hoy en día, con un hermoso documental, SER Y TENER, sobre una pequeña escuela rural en Francia y un filme canadiense sobre los esfuerzos de un inmigrante argelino para lidiar con el duelo de sus pequeños alumnos tras la muerte de su profesora en PROFESOR LAZHAR la película que Canadá lleva a los oscars este año. Cerraremos la jornada con las contundentes interpretaciones de Peter Mullan y Olivia Colman en TIRANOSAURIO, la opera prima de Paddy Considine que arrasó en Sundance este año y que es el estreno de hoy en Sección Oficial

17:00 SER Y TENER 102' - Diálogos de Cine- Caja Badajoz - Entrada Gratuita

19:30 PROFESOR LAZHAR 94' - Sección Oficial - Centro Cultural Alcazaba

21:30 TIRANOSAURIO 91' - Sección Oficial - Centro Cultural Alcazaba

Como siempre, os rogamos que reenviéis y difundais este mail entre aquellos de vuestros contactos que pudieran estar interesados en acudir al Festival y que toda la información del mismo la podeis encontrar en nuestra página web www.festivalcinemerida.com y en las actualizaciones diarias de nuestra página en Facebook Festival de Cine Inedito de Merida. ¡Muchas gracias y os esperamos!

SER Y TENER

(Être et Avoir)

Nicolas Philibert:: Francia :: 2002

Dirección: Nicolas Philibert

Género: Documental

Duración: 102 min

Interpretación: Georges Lopez, Laura, Guillaume, Julien, Jonathan, Nathalie, Olivier, Alizé, Johann, Jessie, Jojo, Marie, Létitia, Axel.

Música: Phillippe Hersant

Fotografía: Katell Djian y Laurent Didier.

Montaje: Nicolas Philibert.

Caja de Badajoz Martes 29 de Noviembre 17:00

SINOPSIS: Inspirado en el fenómeno francés de la clase única, "Ser y tener" muestra la vida de una pequeña clase de un pueblo a lo largo de todo un curso, mostrándonos una cálida y serena mirada a la educación primaria en el corazón de la Landa francesa. Un grupo de alumnos entre 4 y 10 años, reunidos en la misma clase, se forman en todas las materias bajo la tutoría de un solo profesor de extraordinaria dedicación. Maestro de la autoridad tranquila, el profesor Georges Lopez conduce a los chicos hacia la adolescencia, mediando entre sus disputas y escuchando sus problemas.

DIÁLOGOS DE CINE: Ver PROFESOR LAZHAR de Philippe Falardeau. La educación en valores para conducirse por la vida es tanto o más importante que los conocimientos que nos son transmitidos cuando somos personas en formación. En la película que Canadá presenta este año a los Oscar, la trágica muerte de una profesora y su sustitución por un inmigrante argelino supone para los niños de esa clase un proceso, el enfrentarse a la muerte y superar el duelo, en el que descubrirán la enorme importancia de esas lecciones de vida

PROFESOR LAZHAR

(MONSIEUR LAZHAR)

Philippe Falardeau :: Canadá :: 2011

Sección Oficial a Concurso

Dirección: Philippe Falardeau
Guión: Philippe Falardeau
Duración: 94 min
Interpretación: Fellag, Sophie Nélisse, Émilien Néron, Danielle Proulx, Brigitte Poupart, Jules Philip
Fotografía: Ronald Plante
Música: Martin Léon
Montaje: Francesca Chamberland

Centro Cultural Alcazaba
Martes 29 de Diciembre 19:30

SINOPSIS: Bachir Lazhar, un inmigrante argelino, es contratado como sustituto de una maestra de primaria que ha muerto en trágicas circunstancias. Sus nuevos alumnos están inmersos en un duelo que tardarán tiempo en asimilar. Mientras el profesor Lazhar lucha por intentar que los niños consigan convivir con la inesperada pérdida de su antigua maestra, trata al mismo tiempo de adaptarse a un centro escolar nuevo en el que nadie conoce su pasado.

DIRECTOR: Philippe Falardeau (Quebec, 1968) estudió política antes de trabajar como realizador de televisión. ‘La Moitié gauche du frigo’ (2000) le valió el galardón a la mejor ópera prima concedido por el Festival de Toronto. En 2006, la Quincena de los Realizadores de Cannes programó ‘Congorama’ mientras que ‘It’s Not Me, I Swear!’ (2008) obtuvo el Oso de Cristal en el Festival de Berlín. ‘Profesor Lazhar’, película seleccionada por Canadá para el Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa, ganó en Locarno el Premio del Público y en la 56 Seminci obtuvo el Premio Fipresci de la Crítica Internacional y el Premio Miguel Delibes al Mejor Guión

TIRANOSAURIO
(Tyrannosaur)

Paddy Considine :: Reino Unido :: 2011

Sección Oficial a Concurso

DIRECTOR: Paddy Considine (Burton-on-Trent, 1974) tiene a sus espaldas una sólida carrera como actor que incluye títulos como 24 Hour Party People (2002), In En América (2003), Cinderella Man (2005), Bosque de sombras (2006) o Submarine (2010). En el pasado Festival de Sundance, Tyrannosaur, su primer largometraje, obtuvo el Premio a la Mejor Dirección en la competición internacional y el Premio Especial del Jurado para sus dos protagonistas, Peter Mullan y Olivia Colman

DIÁLOGOS DE CINE: Recuperamos para esta sección una película inédita en España, DEAD MAN’S SHOES (2004) de Shane Meadows, protagonizada y co-escrita por el propio Paddy Considine y cuyo insólito retrato de una peculiar venganza no exenta de violencia en una pequeña localidad rural mantiene ciertos puntos de contacto con su debut como director que creemos interesante destacar.

DEAD MAN’S SHOES en Diálogos de Cine
Caja de Badajoz Miércoles 30 de Noviembre 17:00

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VI FCIM Agenda Lunes 28: EL HAVRE (19:30) y PROFESOR LAZHAR (21:30)

2011-11-28T17:35:00.006+01:00

Saludos a Todos!

Os pido disculpas. Por motivos que no vienen al caso hoy nos hemos retrasado tanto en enviaros la agenda que vamos a obviar el pase de Diálogos de Cine de UN HOMBRE SIN PASADO a las 17:00 en Caja Badajoz para centrarnos el programa doble de la Sección Oficial de hoy, compuesto por EL HAVRE, otra película de Kaurismaki - hoy se puede hacer doblete con el maestro finlandés - y la canadiense PROFESOR LAZHAR

19:30 EL HAVRE (Aki Kaurismaki) - Sección Oficial - Centro Cultural Alcazaba

21:30 PROFESOR LAZHAR (Philippe Falardeau) - Sección Oficial - Centro Cultural Alcazaba

EL HAVRE

(LE HAVRE)

Aki Kaurismäki:: Finlandia-Francia-Alemania :: 2011

Sección Oficial a Concurso

Dirección: Aki Kaurismäki
Guión: Aki Kaurismäki
Duración: 93 min
Interpretación: André Wilms, Kati Outinen, Jean-Pierre Darroussin, Blondin Miguel, Elina Salo
Fotografía: Timo Salminen.
Montaje: Timo Linnasalo

Pases: Centro Cultural Alcazaba
Domingo 27 de Noviembre 21:30
Lunes 28 de Noviembre 19:30

SINOPSIS: Marcel Marx, escritor y conocido bohemio, se ha autoexiliado en la ciudad de El Havre, donde siente que está más cerca de la gente después de adoptar el honrado oficio de limpiabotas. Ha enterrado el sueño de convertirse en un reconocido autor y vive felizmente dentro de un triángulo compuesto por su bar preferido, su trabajo y su esposa Arletty. Pero el destino hace que se cruce con un inmigrante menor de edad llegado de África. Arletty cae enferma y a Marcel no le quedará más remedio que alzarse una vez más ante el frío muro de la indiferencia humana con su optimismo y la solidaridad de los habitantes del barrio como únicas armas.

DIRECTOR: Aki Kaurismäki (Orimattila, Finlandia, 1957) sigue siendo considerado como uno de los directores europeos esenciales del cine actual y sus películas siempre están presentes en los más importantes festivales internacionales. Cintas clave de su filmografía como Ariel (1988), La chica de la fábrica de cerillas (1990), Nubes pasajeras (1996) o El hombre sin pasado (2002) son auténticos clásicos modernos. Le Havre (El Havre) obtuvo el premio Fipresci en el pasado Festival de Cannes.

PROFESOR LAZHAR

(MONSIEUR LAZHAR)

Philippe Falardeau :: Canadá :: 2011

Sección Oficial a Concurso

Dirección: Philippe Falardeau
Guión: Philippe Falardeau
Duración: 94 min
Interpretación: Fellag, Sophie Nélisse, Émilien Néron, Danielle Proulx, Brigitte Poupart, Jules Philip
Fotografía: Ronald Plante
Música: Martin Léon
Montaje: Francesca Chamberland

Pases: Centro Cultural Alcazaba
Lunes 28 de Noviembre 21:30
Martes 29 de Diciembre 19:30

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VI FCIM Agenda Domingo 27: LA CIUDAD ESTA TRANQUILA, LAS NIEVES DEL KILIMANJARO, EL HAVRE

2011-11-27T13:21:00.006+01:00

¡Saludos a Todos!

En este domingo soleado que nos aguarda os recordamos la agenda de proyecciones del día, un esplendido programa doble de Robert Guedigian y el estreno de EL HAVRE, la ultima joya del maestro finlandés Aki Kaurismaki

- 17:00 LA CIUDAD ESTÁ TRANQUILA 130' - Diálogos de Cine - Caja Badajoz - Entrada Gratuita

- 19:30 LAS NIEVES DEL KILIMANJARO (Ultimo pase) 107' - Sección Oficial - C.C. Alcazaba

- 21:30 EL HAVRE 93' - Sección Oficial - Centro Cultural Alcazaba

LA CIUDAD ESTÁ TRANQUILA

(La Ville Est Tranquille)

Robert Guédiguian:: Francia :: 2000

Dirección: Robert Guédiguian

Guión: Jean-Louis Milesi y Robert Guédiguian

Duración: 130 min

Interpretación: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darrousin, Gérard Meylan, Alexandre Ogou, Pierre Banderet, Jacques Boudet

Fotografía: Bernard Cavalié

Montaje: Bernard Sasia

Pases: Caja de Badajoz
Martes 22 de Noviembre 19:00

Domingo 27 de Noviembre 17:00

SINOPSIS: La ciudad está tranquila es la historia de Michèle, obrera de una lonja de pescado que no vive más que para salvar a su hija de la droga; de Paul, que traiciona a sus compañeros estibadores en huelga para convertirse en taxista; de Vivianne, profesora de música que no soporta más la derecha realista que representa su marido; de Abderramane, transformado por su estancia en prisión, que intenta ayudar a sus hermanos; de Gérard, para el que todo lo referente a la muerte, la suya y la de los demás, es un misterio; de los padres de Paul, jubilados, que no votarán ya nunca más; de Ameline, cuyo cuerpo representa la salud que le gustaría insuflar; de Sarkis, que lucha por el piano de cola por el que sueña. Historias singulares que se desarrollan al mismo tiempo y en el mismo espacio, Marsella, en el año 2000, frente al ascenso de la insignificancia y la confusión.

DIÁLOGOS DE CINE: Ver LAS NIEVES DEL KILIMANJARO de Robert Guedigian. La ventaja del cine de Guédigian es que casi la práctica totalidad de su filmografía gira alrededor de los mismos temas y obsesiones, sus películas están ambientadas en Marsella y sus actores se repiten de una a otra. Eso permite una reflexión sobre si el estado general de las cosas ha mejorado o empeorado con sus años. LA CIUDAD ESTA TRANQUILA, dirigida por Guédigian en el año 2000, es una excelente piedra de toque para ello.

LAS NIEVES DEL KILIMANJARO

(Les Neiges du Kilimandjaro)

Robert Guédigian :: Francia :: 2011

Sección Oficial a Concurso

Dirección: Robert Guédigian
Guión: Robert Guédigian, Jean-Louis Milesi
Duración: 107 min
Interpretación: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Maryline Canto, Grégoire Leprince-Ringuet
Fotografía: Pierre Milon
Música: Pascal Mayer
Montaje: Bernard Sasia

Pases: Centro Cultural Alcazaba
Domingo 27 de Noviembre 19:30

SINOPSIS: A pesar de haber perdido su trabajo en el astillero local, Michel vive feliz en compañía de Marie-Claire. Los dos llevan más de treinta años enamorados y disfrutan enormemente de sus hijos y sus nietos. Además se sienten orgullosos de estar unidos y de su compromiso político: tienen una visión clara de la vida y una conciencia limpia. Pero esta tranquilidad solo aparente se verá puesta en peligro por un hecho inesperado que les obligará a replantearse la vigencia de algunos de esos principios por los que siempre han regido sus vidas.

EL HAVRE

(LE HAVRE)

Aki Kaurismäki:: Finlandia-Francia-Alemania :: 2011

Sección Oficial a Concurso

DIALOGOS DE CINE: La inteligencia, la sensibilidad, la exaltación de la solidaridad y la comprensión del otro como parte esencial de la naturaleza humana, además de un peculiar y algo surrealista sentido del humor son algunas de las claves más reconocibles de un director imprescindible del cine europeo y mundial. Varios de sus filmes podrían dialogar con EL HAVRE, pero posiblemente sea la hermosísima e irresistible UN HOMBRE SIN PASADO (2002) la más cercana a su último trabajo en intenciones y valores. Concierto musical incluido.

Caja de Ahorros de Badajoz Lunes 28 de Noviembre 17:00

www.festivalcinemerida.com

VI FCIM Agenda Sabado 26: NADIE SABE, MILAGRO, 5º B ESCALERA DERECHA, LAS NIEVES DEL KILIMANJARO

2011-11-26T09:15:00.010+01:00

¡Saludos a Todos!

Pues ya estamos en marcha, a toda máquina y entrando de lleno en el fin de semana grande del Festival. Este sábado tenemos un amplio número de proyecciones que paso a enumeraros a continuación. En primer lugar una doble cita con el maestro japonés Hirokazu Kore-Eda

17:00 NADIE SABE - Diálogos de Cine - 140' Caja Badajoz. Entrada gratuita

19:30 MILAGRO - Sección Oficial a Concurso - 130' - CC Alcazaba.

El segundo pase de hoy en el CC Alcazaba se ve modificado por la duración de la película anterior y el añadido de un cortometraje previo a la película. En una sola sesión tendremos este suculento programa doble:

21:45 5º B ESCALERA DERECHA - Pase Especial - 19' - CC Alcazaba
Cortometraje de María Adánez. Con la presencia de la propia actriz y directora en el escenario del CC Alcazaba

22:15 LAS NIEVES DEL KILIMANJARO - Sección Oficial a Concurso - 107'

NADIE SABE

(Daremo shiranai)

Hirokazu Kore-Eda :: Japón :: 2004

Dirección: Hirokazu Kore-Eda

Guión: Hirokazu Kore-Eda

Duración: 140 min

Interpretación: Yuya Yagira, Ayu Kitaura, Hiei Kimura, Momoko Shimizu, Hanae Kan

Fotografía: Yutaka Yamazaki

Música: Gontiti

Montaje: Hirokazu Kore-Eda

Caja de Badajoz
Sábado 26 de Noviembre 17:00

SINOPSIS: Cuatro niños viven con su madre en un pisito de Tokio. Ninguno tiene el mismo padre y tampoco han ido nunca al colegio. El propietario del piso ni siquiera conoce a tres de ellos. Un buen día, la madre desaparece dejando algo de dinero y una nota para que el mayor se ocupe de sus hermanitos. Así empieza una nueva vida para los cuatro niños que sólo se tienen a sí mismos. Cruelmente abandonados, los cuatro se arreglan para sobrevivir en su pequeño mundo en el que fijan sus propias reglas. Pero al enfrentarse al mundo exterior, se derrumba el frágil equilibrio que habían conseguido mantener.

DIÁLOGOS DE CINE: Ver MILAGRO de Hirokazu Kore-Eda. Nadie dirige mejor a los niños en el cine actual que Kore-Eda. Sus películas (y documentales) protagonizadas por niños son un prodigio de naturalidad en las que el director parece siempre saber donde poner la cámara y dejarles la libertad y el espacio justos para que sean ellos mismos, sin que en ningún momento el espectador tenga conciencia de que están actuando. Ya sea en una película luminosa como MILAGRO o en una historia mucho más trágica como la que nos ofreció con NADIE SABE, con la cual forma un díptico imprescindible del cine contemporáneo.

MILAGRO

(KISEKI)

Horikazu Kore-eda :: Japón :: 2011

Sección Oficial a Concurso – Pelicula de Inauguración

Dirección: Hirokazu Kore-eda

Guión: Hirokazu Kore-eda

Duración: 126 min

Interpretación: Koki Maeda, Oshiro Maeda, Joe Odagiri, Ryoga Hayashi, Seinosuke Nagayoshi

Fotografía: Yamazaki Yutaka.

Música: Quruli

Montaje: Hirokazu Kore-eda

Pases: Centro Cultural Alcazaba

Sábado 26 de Noviembre 19:30

SINOPSIS: Koichi vive con su madre y abuelos en Kagoshima, al sur de la isla de Kyushu. Su hermano pequeño, Ryunosuke, vive con su padre en Hakata, al norte de Kyushu. El divorcio de sus padres les ha separado, pero Koichi solo desea que vuelvan a estar juntos. Cuando se entera de que un nuevo tren bala a punto de inaugurarse unirá las dos ciudades, empieza a creer que ocurrirá un milagro en el momento en que los trenes bala se crucen a toda velocidad. Así pues convence a su hermano para que ambos se encuentren en ese punto intermedio del camino y, acompañados de varios amigos, den una oportunidad a sus deseos de cumplirse.

DIRECTOR: Hirokazu Kore-eda (Tokio, 1962) es uno de los nombres más prestigiosos del actual cine nipón desde que su primera película, Maborosi (1995), fuera galardonada en Venecia. Otras cintas suyas como Distance (2001) o Nadie Sabe (2004) fueron presentadas en Cannes, mientras que After Life (1998), Hana (2006) y Still Walking (2008), esta última película de clausura del III Festival de Cine Inédito de Mérida, participaron en San Sebastián. Kiseki obtuvo en San Sebastián 2011 el Premio al Mejor Guión.

5º B ESCALERA DERECHA

María Adánez :: España :: 2011

Cortometraje – Pase Especial

Dirección: María Adánez
Guión: María Adánez
Duración: 19 min
Interpretación: Carmen Maura, Santiago Ramos, María Lanau, Aura Garrido, Raquel Pérez
Fotografía: David Omedes
Música: Luis Miguel Cobo
Montaje: Ángel Hernández Zoido
Pase Único: Centro Cultural Alcazaba Sabado 26 de Noviembre a las 21:30, antes del pase de LAS NIEVES DEL KILIMANJARO (con la presencia de María Adánez en el Alcazaba)

SINOPSIS: Tres hermanas y su madre reciben la noticia de que su padre ha fallecido de forma inesperada. Durante las horas siguientes se encuentran en un bar próximo a la casa donde la familia solía reunirse a menudo. En ese tiempo reirán, llorarán y recordarán el pasado. Todo termina al día siguiente con la expedición de la familia para arrojar las cenizas del padre y despedirse de él donde quiso ser enterrado.

DIRECTORA: María Adánez Nació en Madrid en 1976 y sus trabajos más populares han sido con los papeles de Lucía Álvarez en la serie ‘Aquí no hay quien viva’, María en ‘Farmacia de guardia’ y ‘Pepa y Pepe’. En cine ha trabajado en películas como ‘My Life in Ruins’, ‘Tiovivo c. 1950’, ‘El Lapiz del Carpintero’, o ‘Cha Cha Cha’, entre otras. ‘5º B Escalera dcha.’ es su primera incursión en la dirección cinematográfica

LAS NIEVES DEL KILIMANJARO

(Les Neiges du Kilimandjaro)

Robert Guédigian :: Francia :: 2011

Sección Oficial a Concurso

DIALOGOS DE CINE: La ventaja del cine de Guédigian es que casi la práctica totalidad de su filmografía gira alrededor de los mismos temas y obsesiones, sus películas están ambientadas en Marsella y sus actores se repiten de una a otra. Eso permite una reflexión sobre si el estado general de las cosas ha mejorado o empeorado con sus años. LA CIUDAD ESTA TRANQUILA, dirigida por Guédigian en el año 2000, es una excelente piedra de toque para ello.

LA CIUDAD ESTÁ TRANQUILA en Diálogos de Cine
Caja de Badajoz Domingo 27 de Noviembre 17:00

VI FCIM Agenda Viernes 25: INCENDIES, DIA DEL CINE EXTREMEÑO, MILAGRO

2011-11-25T07:42:00.011+01:00

Saludos a todos:

Hoy arranca la Sección Oficial del VI Festival de Cine Inédito con la proyección de MILAGRO de Hirokazu Kore-Eda en el CC Alcazaba a las 21:30. Pero antes de eso tenemos varias actividades en la agenda del día que paso a resumiros:

- 17:00 CC Alcazaba - Rueda de Prensa de María Adánez, actriz y directora del cortometraje 5º B ESCALERA DERECHA, que se proyectará mañana sábado a las 21:30 antes del pase de Las Nieves del Kilimanjaro, con la presencia de la directora para presentar su trabajo al público.

- 17:00 CAJA BADAJOZ - DIÁLOGOS DE CINE - INCENDIES. Película ganadora del V Festival de Cine Inédito de Mérida 2010. Entrada gratuita

- 19:30 CC ALCAZABA - DIA DEL CINE EXTREMEÑO - Proyección de cinco cortometrajes seleccionados de entre la producción extremeña del año: EL HOMBRE IDEAL, DOS TRISTES TRES, EL ACERTIJO DE ADELE, EL BALÓN QUE VINO DE MEXICO y AI GUANT TO BILIF. Con la presencia de algunos de los directores de los mismos para presentar sus trabajos.

- 21:30 CC ALCAZABA - MILAGRO de Hirokazu Kore-Eda - Sección Oficial a Concurso.

Como siempre, os rogamos que reenviéis y difundais este mail entre aquellos de vuestros contactos que pudieran estar interesados en acudir al Festival y que toda la información del mismo la podeis encontrar en nuestra página web www.festivalcinemerida.com y en las actualizaciones diarias de nuestra página en Facebook Festival de Cine Inedito de Merida. ¡Muchas gracias y os esperamos!

MILAGRO

(KISEKI)

Horikazu Kore-eda :: Japón :: 2011

Sección Oficial a Concurso – Pelicula de Inauguración

Dirección: Hirokazu Kore-eda

Guión: Hirokazu Kore-eda

Duración: 126 min

Interpretación: Koki Maeda, Oshiro Maeda, Joe Odagiri, Ryoga Hayashi, Seinosuke Nagayoshi

Fotografía: Yamazaki Yutaka.

Música: Quruli

Montaje: Hirokazu Kore-eda

Pases: Centro Cultural Alcazaba Viernes 25 de Noviembre 21:30

Sábado 26 de Noviembre 19:30

DIALOGOS DE CINE: Nadie dirige mejor a los niños en el panorama del cine actual como Hirokazu Kore-Eda. Sus películas protagonizadas por niños son un prodigio de naturalidad en las que el director parece siempre saber donde poner la cámara y dejarles la libertad y el espacio justos. Ya sea en una película luminosa como KISEKI o en una historia mucho más trágica como la que nos ofreció con NADIE SABE, con la cual forma un díptico imprescindible del cine contemporáneo.

Pase de NADIE SABE en Diálogos de Cine

Caja de Ahorros de Badajoz Sábado 26 de Noviembre 17:00

DIA DEL CINE EXTREMEÑO

Varios Directores

Sesión Especial - Pase único

EL HOMBRE IDEAL de Rubén Prieto narra la historia de Mónica, que después de mucho tiempo buscando al hombre ideal, cree haberlo encontrado en Pablo, un joven profesor de universidad que ha venido desde lejos para conocerla. DOS TRISTES TRES, película de animación de Antonio Quiroga cuenta como Yanajido llega a la edad adulta. Un día, mientras va a visitar a sus padres, le ocurre algo que no tiene mucho sentido. Parece ser que hay, y habrá, adultos que sufrieron y sufrirán situaciones “similares”; ¿Podremos evitarlo?

En EL ACERTIJO DE ADELE, Rubén González Barbosa nos describe como Carolina llega a casa. No hay nadie. Se extraña. Una nota espera sobre el piano. Preocupada, hace un pequeña bolsa y marca una dirección en el GPS. De entre los árboles aparece un caserón en pizarra. Es una hospedería de toque rústico, moderna, estilizada, y en la recepción, otra nota.

El documental de Jerónimo García Castela EL BALÓN QUE VINO DE MEXICO cuenta una historia real de necesidades, de sueños e ilusiones y de la mejor manera de que éstos se conviertan en realidad. En la década de los 60, un grupo de niños de un pequeño pueblo extremeño carecían de un balón para jugar al fútbol, y no tenían medios para procurarse uno. Entonces se les ocurrió una forma poco usual de conseguirlo. Nunca imaginaron todo lo que sucedería después, algo que nunca olvidarán. Por último, en otro trabajo de animación, AI GUANT TU BILIF, Daniel Valencia Ibáñez nos presenta a un personaje entrañable, un cabrero obsesionado con los ovnis que inventa una antena para poder contactar con ellos y así conseguir una prueba de su existencia.

INCENDIES

Denis Villeneuve :: Canada, Francia :: 2010

Sesión especial – Película Ganadora del V Festival de Cine Inédito de Mérida

Dirección: Denis Villeneuve

Guión: Valerie Beaugrand-Champagne, Wajdi Mouawad, Denis Villeneuve

Duración: 130 min

Interpretación: Lubna Azabal, Mélissa Désormeaux-Poulin, Maxim Gaudette,

Rémy Girard,

Fotografía: André Turpin.

Música: Gregoire Hetzel

Montaje: Monique Dartonne

Pases: Caja de Ahorros de Badajoz Viernes 25 de Noviembre 17:00

SINOPSIS: Los mellizos Jeanne y Simon Marwan no tenían depositadas muchas esperanzas en el testamento de su madre Nawal. Su sorpresa es comprensible cuando Jean Lebel, notario y viejo amigo de Nawal, les lee las últimas voluntades de ésta: los mellizos tendrán que entregar en mano dos cartas. La primera va dirigida al padre que ellos creían muerto; la segunda es para otro hermano mayor cuya existencia ignoraban. Con la ayuda de Lebel, Jeanne y Simon irán recomponiendo la historia de Nawal: una vida hipotecada por el círculo vicioso de la guerra y el odio.

DIÁLOGOS DE CINE: Un Hombre Sin Pasado

2011-11-21T20:00:00.008+01:00

EN LA SOLIDARIDAD (Y EL HUMOR) ESTÁ EL FUTURO

No resulta extraño, una vez vista esta maravilla del inclasificable e insobornable director Aki Kaurismaki, que Un Hombre Sin Pasado se alzara con el Gran Premio del Festival de Cannes del pasado año, sobre todo si tenemos en cuenta que el Jurado de dicha edición estaba presidido por otro director tan personal y a contracorriente como David Lynch, cuyo universo repleto de personajes extraños y situaciones estrambóticas debió fácilmente sintonizar con el de este autor finlandés, que con el tiempo está consiguiendo, sin perder un solo ápice de su mirada cargada de humor ácido e ironía, convertir sus desesperanzados dramas sobre los habitantes de esta vieja y cada vez más globalizada Europa en pequeños atisbos de esperanza, luminosos destellos cargados de sorna capaces de mostrarnos las situaciones más pesimistas de una realidad que está alrededor nuestro y a la que repetidamente ignoramos para vivir mejor con nosotros mismos con un sentido del humor desbordante y una pasmosa elegancia que a la postre convierte a esta película en un producto tan gozoso como inclasificable, pues uno puede quedarse con la sonrisa que dibuja en el rostro la manera en que Kaurismaki nos cuenta la peripecia de este hombre que se reinventa a sí mismo desde la marginalidad más absoluta... o con la amargura de saber que formamos parte de esa sociedad hueca y desalmada que deliberadamente deja al margen personas de carne y hueso como este protagonista, que casi nunca son tan afortunados.

Kaurismaki no renuncia a su pesimista visión de la sociedad en la que vivimos, pero permite en esta ocasión, quizás porque el paso de los años le permite mirar al mundo con una mayor socarronería, equilibrar la balanza gracias a un hermoso canto a la solidaridad humana, personificada en todos aquellos que ayudan a este hombre que, después de sufrir una brutal paliza que le deja sin ningún recuerdo de su vida anterior, se ve obligado a construirse una nueva vida con el único apoyo de otros marginados y solitarios seres, que llevados por una íntima comprensión de su nueva situación, no muy alejada de las suyas propias, saben de lo mínimo que se necesita para salir adelante.

No se confundan, no estamos ante un retrato heroico o poético que exalte más allá de lo imprescindible las virtudes de una vida nunca escogida, sino impuesta: Kaurismaki es más inteligente que eso y lo que hace es un retrato desnudo de estos verdaderos desechos de la sociedad moderna, expulsados de un paraíso al que nunca han pertenecido y que consiguen sobrevivir a golpe de ingenio, conformismo y disfrute de los pequeños placeres que aquellos que se ven despojados de los absurdos ornamentos con los que a veces decoramos o disimulamos el vacío de nuestras existencias saben apreciar en lo que valen.

Pero la mayor subversión de la corrosiva propuesta de este autor con mayúsculas, uno de los pocos que pueden preciarse de tal etiqueta en este mundo del cine tan acostumbrado a encumbrar a auténticas medianías es la manera de transmitir su mensaje. Kaurismaki recurre de nuevo a su característico minimalismo, despoja la pantalla de todo aquello que no resulte imprescindible para contar la historia: no hay un movimiento de cámara innecesario, un montaje precipitado, una interpretación que induzca a un falso sentimentalismo... más bien al contrario, la mirada del director es fría, frontal, construyendo la historia en largos planos fijos que transmiten la desnuda verdad de lo que no se puede ocultar a la cámara.

Y sin embargo, según la historia va avanzando y la cámara recoge las peripecias de este hombre obligado a reinventarse de nuevo, algo hermoso sucede y esa cámara no puede disimular la ternura con la que Kaurismaki trata a sus criaturas, mientras un sentido del humor digno heredero de los mejores tiempos de los silenciosos gags de maestros del absurdo como Chaplin, Keaton o Jacques Tati (muy especialmente este último, pues Kaurismaki comparte con él su perpleja mirada a una sociedad de la que se considera ajeno y la nada inocente simplicidad con la que se enfrenta a sus problemas para adaptarse a sus exigencias) se complementa con unos diálogos tan escuetos como brillantes, tan divertidos como, en el fondo, terribles que con aires de fábula moral excéntrica pero lúcida, consigue el milagro de crear de forma convincente una comunidad utópica, un me temo que inexistente refugio donde no solo construirse una nueva identidad mucho mejor que su pasado de hombre perteneciente al mecánico engranaje, sino que además le permite rechazar la posibilidad de volver a ese siniestro redil cuando tiene la oportunidad para ello.

Un Hombre Sin Pasado es ese tipo de película que crece y crece en la memoria, que se aprecia mucho mejor cuando se reflexiona y se piensa sobre ella que en el momento en el que se está viendo, probablemente porque, aunque no inventa nada nuevo en lo que a lenguaje fílmico se refiere, tiene la inmensa virtud de recuperar los códigos y maneras de construir historias pertenecientes a un pasado que nos parece muy remoto; y precisamente por eso nos resulta tan estimulante, porque en estos tiempos en el que el cine parece abocado al ruido y la inmediatez del efectismo que oculta la nada más absoluta, la aparente simplicidad del cine de Kaurismaki, que esconde una sabiduría cinematográfica a la hora de componer el encuadre, de la puesta en escena y de dominio del tiempo correcto para que el gag mudo cumpla su cometido, les parecerá a muchos incomprensible y desfasado, cuando en el fondo no es sino un moderno torrente de verdad y desparpajo que alcanza las más altas cotas de subversión cuando se comparan los logros de la nueva vida que esa metáfora andante que es el hombre sin pasado se confrontan con las negruras de su vida anterior, que no es otra, viene a decirnos Kaurismaki en un último y demoledor golpe, que la que nosotros vivimos día a día.

(Texto escrito el 01 de Abril del 2004, revisado con ocasión de su pase en el VI Festival de Cine Inédito de Mérida)

VI FESTIVAL DE CINE INEDITO DE MERIDA: Diálogos de Cine

2011-11-19T10:44:00.019+01:00

Una de las novedades de esta sexta edición del Festival de Cine Inédito de Mérida es la Sección DIÁLOGOS DE CINE, con la que arrancamos el lunes 21 de Noviembre en nuestra nueva sede del Aula de Cultura de Caja Badajoz. La película ganadora del año pasado, INCENDIES, y seis películas que funcionan como un reflejo o un complemento de las seis películas de la Sección Oficial a Concurso, ya sea porque pertenezcan al mismo director, reflejen otro aspecto de la misma temática, posean estilos narrativos parecidos o hayan servido de inspiración, lo cierto es que ver cada una de estas películas junto a su pareja de la Sección Oficial invita al espectador a disfrutar de un estimulante diálogo fílmico que esperamos le sirva para enriquecer la experiencia. Todas las películas de esta sección son gratuitas para el espectador en los dos pases en las que se ofrecen dentro del Festival.

INCENDIES

Denis Villeneuve :: Canada, Francia :: 2010

Sesión Especial – Ganadora del V Festival de Cine Inédito de Mérida

Dirección: Denis Villeneuve

Guión: Valerie Beaugrand-Champagne, Wajdi Mouawad, Denis Villeneuve

Duración: 130 min

Interpretación: Lubna Azabal, Mélissa Désormeaux-Poulin, Maxim Gaudette,

Rémy Girard,

Fotografía: André Turpin.

Música: Gregoire Hetzel

Montaje: Monique Dartonne

Pases: Caja de Badajoz

Lunes 21 de Noviembre 19:00

Viernes 25 de Noviembre 17:00

UN HOMBRE SIN PASADO

(Mies vailla menneisyyttä)

Aki Kaurismaki :: Finlandia :: 2007

Dirección: Aki Kaurismaki

Guión: Aki Kaurismaki

Duración: 97 min

Interpretación: Markku Peltola, Kati Outinen, Annikki Tähti, Juhani Niemelä, Kaija Pakarinen

Fotografía: Timo Salminen

Montaje: Timo Linnasalo

Pases: Caja de Badajoz

Lunes 21 de Noviembre 21:30

Lunes 28 de Noviembre 17:00

SINOPSIS: Un hombre que ha viajado a Helsinki buscando trabajo, es asaltado, golpeado y como resultado pierde la memoria teniendo así que continuar su vida partiendo de cero. Encuentra el amor y se ve obligado a descubrir valores con los que vivirá sin avergonzarse. Una pequeña historia sobre gente que aún sabe cómo ser amable, sobre la solidaridad y el entendimiento mutuo.

DIÁLOGOS DE CINE: Ver EL HAVRE En Sección Oficial. La inteligencia, la sensibilidad, la exaltación de la solidaridad y la comprensión del otro como parte esencial de la naturaleza humana, además de un peculiar y algo surrealista sentido del humor son algunas de las claves más reconocibles de un director imprescindible del cine europeo y mundial. Varios de sus filmes podrían dialogar con EL HAVRE, pero posiblemente sea la hermosísima e irresistible UN HOMBRE SIN PASADO (2002) la más cercana a su último trabajo en intenciones y valores. Concierto musical incluido.

LA CIUDAD ESTÁ TRANQUILA

(La Ville Est Tranquille)

Robert Guédiguian:: Francia :: 2000

Dirección: Robert Guédiguian

Guión: Jean-Louis Milesi y Robert Guédiguian

Duración: 130 min

Interpretación: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darrousin, Gérard Meylan, Alexandre Ogou, Pierre Banderet, Jacques Boudet

Fotografía: Bernard Cavalié

Montaje: Bernard Sasia

Pases: Caja de Badajoz
Martes 22 de Noviembre 19:00

Domingo 27 de Noviembre 17:00

SER Y TENER

(Être et Avoir)

Nicolas Philibert:: Francia :: 2002

Dirección: Nicolas Philibert

Género: Documental

Duración: 102 min

Interpretación: Georges Lopez, Laura, Guillaume, Julien, Jonathan, Nathalie, Olivier, Alizé, Johann, Jessie, Jojo, Marie, Létitia, Axel.

Música: Phillippe Hersant

Fotografía: Katell Djian y Laurent Didier.

Montaje: Nicolas Philibert.

Pases: Caja de Badajoz
Martes 22 de Noviembre 21:30

Martes 29 de Noviembre 17:00

NADIE SABE

(Daremo shiranai)

Hirokazu Kore-Eda :: Japón :: 2004

Dirección: Hirokazu Kore-Eda

Guión: Hirokazu Kore-Eda

Duración: 141 min

Interpretación: Yuya Yagira, Ayu Kitaura, Hiei Kimura, Momoko Shimizu, Hanae Kan

Fotografía: Yutaka Yamazaki

Música: Gontiti

Montaje: Hirokazu Kore-Eda

Pases: Caja de Badajoz
Miércoles 23 de Noviembre 19:00

Sábado 26 de Noviembre 17:00

DEAD MAN’S SHOES

Shane Meadows :: Reino Unido :: 2004

Dirección: Shane Meadows

Guión: Paddy Considine y Shane Meadows

Duración: 90 min

Interpretación: Paddy Considine, Gary Stretch, Toby Kebbell, Jo Hartley, Seamus O'Neal

Fotografía: Danny Cohen

Música: Aphex Twin

Montaje: Chris Wyatt, Lucas Roche y Celia Haining

Pases: Caja de Badajoz
Miércoles 23 de Noviembre 21:30

Miércoles 30 de Noviembre 17:00

DRACULA, PAGES FROM A VIRGIN’S DIARY

Guy Maddin :: Canada :: 2002

Dirección: Guy Maddin

Guión: Bram Stoker (Novela Original) y Mark Godden (Ballet)

Duración: 75 min

Interpretación: Zhang Wei-Qiang, Tara Birtwhistle, David Moroni, Cindy Marie Small, Johnny Wright

Fotografía: Paul Suderman

Música: Gustav Mahler adaptado por Russ Dyck y Bruce Little

Montaje: Deco Dawson

Pases: Caja de Badajoz
Jueves 24 de Noviembre 19:00

Jueves 01 de Diciembre 17:00

Recuerden que toda la información del VI FCIM está en nuestra web oficial: www.festivalcinemerida.com y hay actualizaciones diarias en nuestra página de Facebook Festival de Cine Inedito de Merida

VI FESTIVAL DE CINE INEDITO DE MERIDA: Programacion

2011-11-15T10:52:00.012+01:00

EL CINE COMO REFUGIO, EL CINE COMO DIÁLOGO

¿Recuerdan ustedes aquella escena de Hannah y Sus Hermanas en la que el personaje de Woody Allen explicaba cómo había superado esa depresión que le llevó a un intento de suicidio al ver en un cine Sopa de Ganso de los Hermanos Marx? Siempre ha sido una de mis escenas favoritas: el Cine como cura puntual o incluso permanente para los males de la vida, el Cine como receta para poner en perspectiva los problemas, el Cine como la mejor vía para evadirse de uno mismo y sus miserias, o las del mundo que nos rodea. El Cine, en fin, como último refugio.

Pues esa ha sido la idea principal que desde un primer momento tuvimos en la cabeza a la hora de diseñar la programación que les ofrecemos este año: sin perder de vista la calidad que nos caracteriza, perseguimos que este año acudan al cine con la esperanza que salgan del mismo si no con una sonrisa, al menos con la sensación de sentirse algo mejor que entraron.

Quizás porque redescubran la magia de la inocencia de la infancia gracias al MILAGRO que nos sirve el japonés Hirokazu Kore-Eda en nuestra película inaugural. Quizás porque en estos tiempos turbulentos donde vienen mal dadas es más necesario que nunca aferrarse a la dignidad y a los principios como nos demuestran Robert Guedigian en esa obra de amor puro que es LAS NIEVES DEL KILIMANJARO o Aki Kaurismaki en su particular y tierna a la vez que solidaria visión de la emigración en la imprescindible EL HAVRE.

Quizás porque es esencial recordar que importa tanto o más educar a nuestros hijos en valores para manejarse en la vida además de en los conocimientos como defiende Philippe Falardeau en PROFESOR LAZHAR.

Quizás porque por muy bajo que se caiga y muy desesperado que se esté, conectar con alguien puede ofrecer una tenue luz al final del túnel, caso de la contundente TIRANOSAURIO de Paddy Considine. Quizás porque el cine, desde sus comienzos en los tiempos del cine mudo, siempre fue puro disfrute y diversión, como nos recuerda con incuestionable brillantez Michel Hazanevicius en THE ARTIST. Quizás porque buscar la belleza es lo único que importa en este mundo, y de la belleza de la danza sabía mucho PINA, recordada por Win Wenders en un espectacular homenaje en 3D. O quizás porque, metidos en nuestra crisis, se nos olvida que hay gente que tiene problemas aun más graves que nosotros, como nos relata EL SACRIFICIO, primera película africana que se proyecta en el Festival de Cine Inédito.

Todos son argumentos para que un rato de buen cine nos conforte y busquemos en la sala algo de refugio con la que está cayendo. No es ni mucho menos el momento para dramas. Bastante tenemos en la vida cotidiana.

Y no nos olvidemos de DIALOGAR. Así, con mayúsculas. DIALOGOS DE CINE, una novedad que no solo duplica la oferta de nuestro Festival dando la oportunidad de recuperar títulos tan importantes como NADIE SABE de Kore-Eda, LA CIUDAD ESTÁ TRANQUILA de Robert Guedigian, UN HOMBRE SIN PASADO de Aki Kaurismaki, SER Y TENER de Nicolas Philibert, DEAD MAN’S SHOES de Shane Meadows o DRACULA: PAGES OF A VIRGIN’S DIARY de Guy Maddin, sino que permite a todos aquellos que entren en el juego de espejos que les proponemos, descubrir una película reflejo de cada una de las que componen nuestra Sección Oficial que ofrece la posibilidad de ver cómo ha evolucionado en el tiempo la visión de un director, más caras de una misma temática, experimentos narrativos paralelos o influencias de un autor.

Un viaje que le invitamos a disfrutar de forma conjunta y a la vez complementaria para enriquecer nuestra propuesta. Todo ello sin olvidar nuestra habitual atención al cine extremeño con lo mejor de la producción de este año, a los niños, los futuros espectadores, en las sesiones matinales de Cine y Escuela o una novedad este año, un pase para mayores que en esta ocasión rinde un sentido homenaje a uno de los grandes de nuestro cine, Luis García Berlanga, con el pase de una de las obras maestras del cine español de todos los tiempos, PLÁCIDO. El reconocimiento a la labor de dos veteranos profesionales del cine de nuestra ciudad, Manuel Cuéllar y Joaquin Barrasa, así como a la labor de difusión y promoción de la cultura cinematográfica de dos programas fundamentales del medio televisivo como La Isla de Viernes de Canal Extremadura Televisión y a Días de Cine de RTVE con ocasión de su vigésimo aniversario, componen nuestros Premios Miradas de este año, que se completa con un sentido recuerdo a dos históricos del cine emeritense que por desgracia ya no podrán recibirlos, Rafael Bonilla y Manuel Carbajo, pero que hemos querido que estén presentes en la edición de este año, porque si ellos no hubieran estado antes que nosotros, nosotros no estaríamos aquí. También contamos con una maravillosa exposición de dos artistas e ilustradores apasionados del cine, Fernando Marañón y Benjamin Lois, que ahondando una de las ideas claves del FCIM este año, nos presentan DAVID Y GOLIAT, diálogos entre el cine español y el cine de Hollywood

Hemos diseñado esta programación en tiempos difíciles siendo más conscientes que nunca de lo que ahora mismo necesitamos: calidad, si, pero también belleza, emoción, calidez… Déjense arrastrar y hagan a sus amigos el inmenso favor de arrastrarles a nuestras salas con ustedes. Seguro que lo van agradecer.

DAVID GARRIDO BAZÁN

Director de Programación y Contenidos del Festival de Cine Inédito de Mérida

Web oficial del Festival: www.festivalcinemerida.com

Página del Festival de Cine Inédito de Mérida en Facebook

SEMINCI 2011 J04 El Niño de la Bicicleta, La Conquista, Cumbres Borrascosas

2011-10-26T16:12:00.001+02:00

EL NIÑO DE LA BICICLETA, Los Dardenne a lo suyo: haciendo grandes películas

De que va: Cyril tiene casi 12 años y un único plan: encontrar al padre que le dejó temporalmente en un hogar infantil de acogida. Por casualidad, conoce a Samantha, que tiene una peluquería. Ella accede a darle cobijo los fines de semana. Cyril no quiere reconocer el amor que Samantha siente por él, un amor que el niño necesita desesperadamente para calmar su rabia.

Los Dardenne están en Valladolid como en casa. No en vano su lanzamiento internacional ocurrió aquí, cuando La Promesa ganó en 1994 la Espiga de Oro a la Mejor Película. Luego vendrían las Palmas de Oro en Cannes y dos participaciones más en la Seminci, con El Hijo y El Niño. Esta muestra de coherencia al venir de nuevo con su último trabajo tras ganar el Gran Premio del Jurado en Cannes va en consonancia con la misma coherencia que demuestran en la evolución de su filmografía: si en El Niño nos contaban la historia de un padre irresponsable capaz de vender a su propio bebé por una pasta para luego recuperarlo en el último instante de manera agónica, es ahora el mismo actor que interpretó a ese padre desnaturalizado (Jeremie Renier) quien interpreta a un nuevo padre abandónico que ha dejado a su hijo colgado en un hogar de acogida y no parece tener el más mínimo interés en recuperarlo. Lo que digo: coherencia.

Puede que El Niño de la Bicicleta sea la película de los Dardenne más accesible y quizás la que mejor equilibra lo que pretende conseguir con sus resultados finales. Como en cualquier película de su filmografía, la angustia se apodera del espectador mientras uno sigue bien de cerca la desesperación de ese niño que tan solo quiere por encima de cualquier otra cosa reencontrarse con su padre. Sientes su rabia, su frustración, su infinito dolor ante el abandono, su incapacidad para asumir lo que está pasando. Y no te queda otra que compadecerte de él en su periplo, desearle que encuentre una luz al final del camino. Esa luz es el personaje de Cecile de France, magnífica en la película, que con infinita ternura y paciencia va consiguiendo poco a poco construir un refugio seguro para Cyril, aunque éste, demasiado acostumbrado a que le dejen tirado y susceptible de ser manipulado por cualquiera que sepa como tocar las teclas adecuadas, se sienta aun inestable y confuso.

Aunque juegue con las expectativas del espectador y por momentos nos haga temer lo peor – una de las claves del éxito de su fórmula es que éste cree poder anticipar lo que está por venir y a veces esas expectativas se cumplen… y a veces no – su cine sigue del lado de los desfavorecidos, no resulta tan cínico como para dar todo por perdido y ofrece alguna salida. La mirada de los Dardenne, habitualmente afilada como una cuchilla y a veces implacable en su análisis de lo que sucede en los patios traseros de nuestras apacibles existencias, resulta aquí algo más amable que en ocasiones anteriores.El Niño de la Bicicleta está rodada con sencillez y eficacia, se beneficia mucho de la naturalidad desarmante de ese magnífico chaval desvalido al que dan ganas de abrazar aunque te muerda y de esa encarnación del amor paciente que es el personaje de Cecile de France. Todo en la película funciona a la perfección, pulsando con habilidad las teclas justas de la emoción. Probablemente sea la película de los Dardenne que mas me guste. Y estamos hablando de una filmografía que ha dado ya unas cuantas películas maravillosas.

LA CONQUÊTE. El camino al poder.

De que va: 6 de mayo de 2007. Segunda ronda de las elecciones presidenciales francesas. Mientras los franceses se preparan para elegir a su nuevo presidente, el candidato Nicolas Sarkozy, convencido de su victoria, permanece encerrado en su casa. Pasará el día intentando contactar con su esposa Cécilia, que no quiere verlo ni hablar con él. La película evoca los cinco años anteriores en la vida del futuro presidente y su ascenso imparable: un ascenso trufado de pactos turbios, explosiones de ira y enfrentamientos entre bastidores.

Empezaré diciendo que me encantan estos retratos entre cínicos, paródicos y mortalmente serios de los políticos que rigen las riendas de nuestros países. Bueno, la primera persona del plural está sin duda mal utilizada: Italia sabe hacer ese tipo de cine (Il Divo, Il Caimano) El Reino Unido sabe hacer ese tipo de cine (The Queen) y por supuesto Francia (Presidente Miterrand) sabe hacer ese tipo de cine, como demuestra sobradamente Xavier Durringer en este descarnado y probablemente preciso retrato de ese personaje repleto de claroscuros llamado Nicholas Sarkozy. Nosotros no. En España como mucho podemos hacer una teleserie sobre Suarez y otras dos y un telefilme sobre el 23-F treinta años después. Mejor no comparemos.

En fin, sigamos. La película de Durringer muestra con precisión, gran sentido del ritmo – y una nada despreciable carga de mala leche – el largo proceso que atravesó el actual Presidente de Francia para llegar a ocupar su cargo, una ascensión que muchos consideraron meteórica pero que no estuvo exenta de trabas, especialmente aquellas que tuvo que superar desde dentro de sus propias filas, ya que Sarkozy, de un perfil mucho más derechista y menos moderado que sus correligionarios, hubo de enfrentarse no solo a un rival directo de reconocido prestigio y similares aspiraciones como Dominique de Villepin sino a la evidente animadversión de un Jacques Chirac que, si hacemos caso a lo que se narra en el filme, sentía verdadero rechazo por Sarkozy y trató de evitar con todos los medios a su alcance – que eran muchos – su estrella ascendente.

Durringer no se corta un pelo a la hora de mostrar las trastiendas del poder, los tejemanejes, envidias y maniobras sucias con las que todos se manejan para tratar de alcanzar sus objetivos. Hay un evidente punto paródico en el retrato – acentuado por el trabajo de Denys Podalydes encarnando a Sarkozy, por momentos brillante pero a ratos también algo guiñolesco y por la BSO a lo Nino Rota en 8 ½ de Nicola Piovani – pero también la sensación de que esa ambición desmedida, esa falta de pudor en su apuesta por la transparencia como forma de conquistar al electorado vendiendo de forma continua su intimidad hasta lo absurdo, esas luchas intestinas por el poder, desprenden una enorme verdad.

De hecho, quizás lo más interesante de la aproximación de Durringer al personaje sea el ángulo personal, esa relación con Cecilia, su esposa y consejera principal que se derrumba poniendo en peligro la carrera de Sarkozy, pero convirtiendo la película en una insólita historia de amor y dependencia que humaniza mucho al retratado. Por lo demás, destacar el magnífico trabajo de Bernard Le Coq como un impecable y venenoso Jacques Chirac y la brillantez de un guión afilado repleto de líneas ingeniosas y cínicas (“Este enano va a construirse una Francia a su medida”) que conforman una muy interesante reflexión sobre la ambición, la conquista del poder y el precio a pagar por ello. Vale que Zapatero o Rajoy quizás no den el mismo juego. Pero estaría bien que tomáramos nota de cómo se hace un buen cine político.

CUMBRES BORRASCOSAS Vuelta de tuerca moderna a un clásico

De que va: Un hacendado de Yorkshire que está de visita en Liverpool se encuentra en la calle con un muchacho indigente llamado Heathcliff. El hombre decide llevárselo a su hacienda, en los solitarios páramos de Yorkshire, y adoptarlo como un miembro más de la familia. Heathcliff va creciendo mientras forja una relación obsesiva con Catherine, la hija de su protector. Pasa el tiempo y la imposible historia de amor entre ambos personajes adquiere tintes cada vez más dramáticos.

A priori, uno no pensaría en Andrea Arnold como la mejor elección para hacer una nueva versión de la novela de Emily Brönte – una rápida búsqueda en imdb ofrece no menos de quince títulos – ya que la autora de Red Road y Fish Tank había destacado hasta la fecha por crónicas ferozmente urbanas protagonizadas por esa clase baja rozando el white trash londinense y que casa poco con una adaptación de época. Pero si uno lo piensa con cierto detenimiento, hay un punto de conexión entre las pasiones obsesivas y un punto enfermizas que vivían de forma los protagonistas de aquellas dos películas y esa tormentosa, desgarrada historia de amor entre Heathcliff y Cathy. Probablemente esa conexión fue la que hizo que aceptara un encargo tan peligroso.

Lo primero que hay que decir de esta nueva versión de Cumbres Borrascosas es que Andrea Arnold, a diferencia de otras adaptaciones recientes – si, estoy pensando en la muy fallida Jane Eyre de Cary Fukunaga aun pendiente de estreno – ha tenido la inteligencia de mantenerse muy fiel a su estilo a la hora de rodar este clásico. Huyendo de toda tentación academicista, su película mantiene las claves narrativas y de puesta en escena reconocibles de su cine: cámara nerviosa al hombro, enorme cercanía a los personajes – de hecho, la cámara les sigue tan de cerca que uno puede casi hasta sentir y oler lo que sus protagonistas experimentan – que se traduce en una película de contundente fisicidad tanto en el retrato de esa relación como en los parajes tan hermosos como desolados donde está ambientada.

Es además un cine de sensaciones, despojado de música y casi de la palabra, apoyándose casi de forma exclusiva en las imágenes para contar esa universal historia de enamoramiento, desilusión, humillación, odio e inútil venganza. Desde mi punto de vista es la manera más inteligente de acercarse a un clásico, narrando en clave moderna y tratando de transmitir al espectador de la forma más realista posible lo que experimentan sus criaturas. La ambientación es modélica, uno siente el frío, la lluvia, el barro, la suciedad pero también se empapa de la belleza natural, de la alegría del descubrimiento, de esa estimulante y breve sensación de felicidad que ofrece el enamorarse y saberse correspondido.

Es una lástima que por momentos Arnold se enamore tanto de la historia que está contando que no pueda evitar la tentación de recrearse tanto en planos del pasado que ya ha expuesto con anterioridad como en elementos naturales sin duda bellos pero que alargan sin añadir gran cosa en mi opinión un metraje de por sí algo excesivo. Eso y cierta aridez narrativa para el que no entre en esta apuesta por las sensaciones y no por las palabras – es seguro que no es plato para todo tipo de público, sino más bien al contrario – pueden lastrar un poco los logros de una película que no juega precisamente a provocar volcánicas pasiones, sino a hacer daño con una dureza tanto física como emocional. Que lo consiga o no depende mucho del estado de ánimo de cada uno. Ah, por cierto: olvidaba mencionar que en esta versión Heathcliff es negro. La cosa tiene tan poco importancia – salvo para los escandalizados puristas - que ni añade ni quita nada a la historia original. Vamos, que entra en el terreno de lo anecdótico.

SEMINCI 2011 J03 Amor Bajo el Espino Blanco, Hermanos, Starbuck

2011-10-25T20:51:00.002+02:00

AMOR BAJO EL ESPINO BLANCO, Zhang Yimou se pasa de cursi.

De que va: La República Popular China durante la Revolución Cultural. Jing, una universitaria de la ciudad, es enviada a un remoto pueblo de montaña para someterse a un programa de ‘reeducación’. Jing es la personificación de la inocencia, pero a su padre lo han encarcelado por ser un ‘contrarrevolucionario’, con lo que su madre no tiene más remedio que mantener ella sola a sus tres hijos. Jing sabe que no sólo su propio futuro, sino también el de su familia, dependen del veredicto de las autoridades sobre su proceso de ‘reeducación’. Pero su comportamiento cauteloso y discreto llega a su fin cuando se enamora de Sun, el atractivo hijo de un oficial de alta graduación. Los dos pertenecen a mundos completamente distintos, por lo que su amor no sólo es imposible, sino también peligroso.

La verdad es que es toda una alegría comprobar que Zhang Yimou ha abandonado de una vez esos aparatosos y cansinos wuxias tipo La Maldición de la Flor Dorada o el muy innecesario remake de Sangre Fácil con los que nos ha castigado los últimos años. He añorado mucho al Yimou intimista, el que conquistó nuestros corazones con La Linterna Roja o Ju Dou, Semilla de Crisantemo o sus aproximaciones al mundo rural como Ni Uno Menos o la maravillosa El Camino a Casa, película con la que esta Amor Bajo el Espino Blanco guarda numerosos puntos en común: de nuevo una sencilla historia de amor con dificultades aparentemente insalvables, de nuevo el choque ciudad-campo, de nuevo el telón de fondo de la Revolución Cultural, de nuevo la fascinación, el enamoramiento apasionado y a la vez inocente, de nuevo los miedos al qué dirán, la represión, los sacrificios… Pero con una diferencia fundamental: mientras en El Camino a Casa Yimou contaba la historia de sus padres, aquí ilustra una novela ajena. Y se nota. Es como si el productor de turno le hubiera dicho “Toma, aquí tienes esta novela: coge esta historia y ruédala como si fuera El Camino a Casa”

Y eso ha hecho Yimou: apoyándose en la preciosa fotografía de Zhao Xiaoding y con unos materiales que conoce de sobra, el cineasta chino da forma a una historia de amor tan inocente y sin apenas connotaciones sexuales que, si sumamos las dificultades e impedimentos sociales que han de sortear sus protagonistas, hacen que uno se plantee seriamente cómo es posible que la población china haya crecido tanto en las últimas décadas. Desde luego no habrá sido gracias a parejas tan timoratas como ésta que, como esos jóvenes católicos que hoy en día han de montar movidas como las Jornadas Mundiales de la Juventud para poder echar un puñetero polvo, son algo así como la quintaesencia idílica de esas relaciones perfectas entre camaradas revolucionarios que tanto placían al camarada Mao. Muy bonita y poética, si, pero que de puro naif consigue despertar, como están leyendo, mi lado más cínico. Y eso que cualquiera que me siga sabe que aqui el que suscribe es un romántico empedernido.

No negaré que tiene algunos momentos preciosos. Es más, su primera hora, quizás porque recuerda mucho El Camino a Casa, resulta de lo más interesante. Pero hay una muy fina línea entre sensibilidad y sensiblería y Zhang Yimou no solo la cruza sino que en muchos momentos la rebasa ampliamente. Cuestión de piel, claro – me consta que a muchos les ha encantado y sin duda es una firme candidata a Premio del Público porque… es que es tan, tan bonita– pero, que quieren que les diga, para mi es una película desmesuradamente cursi, que usa y abusa de los recursos del folletín de toda la vida para atacar a saco el lacrimal. Y por ahí no paso.

HERMANOS, Los Ídem Karamazov según Kaurismaki. Pero Mika, no Aki.

De que va: Ivar (51 años, escritor), Mitja (49 años, productor de cine) y Torsti (51 años, conserje) son hijos del mismo hombre —Paavo (70 años) —, pero de madres distintas. No se han visto en mucho tiempo, pero ahora se reúnen para celebrar el cumpleaños de su padre. El reencuentro les obliga a explorar sus relaciones mutuas y hace aflorar algunos recuerdos traumáticos y ciertas verdades incómodas sobre su padre, a quien los tres culpan de sus respectivos fracasos.
Hace tres años Mika Kaurismaki, que de vez en cuando hace alguna película de ficción que otra entre sus por otro lado estupendos documentales sobre la música y la cultura brasileña, nos trajo a Sección Oficial Tres Reyes Magos, un relato de tres hombres bastante patéticos solos en Nochebuena que buscaban en un cutre karaoke algo de camaradería masculina con la que sobrellevar sus tragedias personales y que pese a su buen punto de arranque no acababa de funcionar por culpa de un guión caprichoso que no resolvía nada bien los conflictos planteados y se perdía en divagaciones cuando no directamente estupideces.

Pues algo muy parecido le pasa a esta Hermanos en la que la expresión “matar al padre” no tiene un sentido metafórico ni terapeutico sino bastante literal: adaptando muy libremente al Dostoyevski de los Hermanos Karamazov, el director finlandés juega a construir una comedia repleta de amargura, tratando de humanizar a sus personajes por la vía de mostrar sus miserias morales e intentar que el espectador empatice así con ellos. O simplemente compadecerles.

Pero la cosa no funciona porque más allá de unas cuantas escenas brutales en las que crudas verdades vuelan de unos personajes a otros destilando no poco humor negro, no consigue desprenderse de un molesto tono de farsa que hace que uno no se crea nada de lo que ocurre en ningún momento. Y encima es reincidente: tampoco esta vez consigue resolver como es debido algunos de los conflictos interesantes que plantea. Uno desconecta a partir de un determinado punto y te da más o menos igual lo que le pase a ese padre ligón, bon vivant y especialista en joderle la vida a la gente, al hijo servicial que espera pacientemente a que éste palme, al narcisista productor de cine necesitado de pasta con mal temperamento o ese cabroncete de hijo pródigo que vuelve después de muchos años para liarla parda con ganas de bronca. O las dos anodinas mujeres que, dios sabrá por qué, revolotean alrededor de ellos. Vamos, que no acaba de cuajar el tema. Claro que eso pasa por rodar sin un guión definido, improvisando en gran parte, y resolverlo todo en cinco dias. Para que un experimento así funcione hay que ser muy muy bueno. Huelga decir que Maki no lo es. Aunque también se puede argumentar al revés: para haberse hecho en apenas cinco días, no está mal...

STARBUCK, Paternidad Desatada

De que va: A sus 42 años, David sigue viviendo como el eterno adolescente. Sortea con el mínimo esfuerzo los escollos de la vida y mantiene una relación complicada con Valerie, una joven policía. Cuando ésta le comunica que está embarazada, una serie de circunstancias hacen que aflore de repente el pasado de David. Veinte años antes, y con el fin de obtener algún dinero, comenzó a donar esperma a una clínica de fertilidad. Ahora acaba de descubrir que, a resultas de aquellas donaciones, ha engendrado nada menos que 533 hijos, de los cuales 142 han emprendido una acción legal conjunta para que se revele la identidad de su padre biológico, a quien se refieren con un seudónimo: Starbuck.

Si de películas sobre la paternidad hemos de seguir hablando – y en esta Seminci llevamos ya unas buenas cuantas aproximaciones de variado pelaje – resulta obligado conceder que el acercamiento más original, irresistible y divertido al tema lo ofrece esta película canadiense de Ken Scott que va camino de convertirse en la gran sorpresa de esta edición. Y es que a lo desopilante de su punto de partida – ahí es nada enterarte de la noche a la mañana que tienes por ahí rulando a unas cuantas centenas de descendientes tuyos – hay que añadir la inteligencia y el sentido del humor con el que está contada esta historia del forzado proceso de evolución de este tarambana peterpanesco que a fuerza de tocar las vidas de hijos y más hijos perdidos en plan Amelie desarrolla un sentido de la responsabilidad que para sí quisiera el Michael Landon de La Casa de la Pradera. Starbuck tiene un guión magnífico en el que no solo puedes reírte bien a gusto de los lugares comunes de la paternidad – a este respecto las primeras charlas que mantiene con su abogado son antológicas – sino que demuestra una sorprendente madurez y solvencia en algunas de sus aristas menos cómicas, que también las hay. Y también funcionan.

Patrick Huard está simplemente soberbio en un papel dificilísimo. Su comicidad resulta sin duda irresistible, pero sabe ser igual de convincente cuando ha de enfrentarse a algunos de los aspectos menos agradables de su situación. Todo está servido con habilidad y lucidez por Ken Scott, coautor asimismo de este estupendo guión. El resultado es una estupenda película que más allá de su humor irónico, ofrece una reflexión bastante lúcida sobre lo que significa ser padre hoy en día, sobre la necesidad de madurar y sobre la asunción de responsabilidades.

Probablemente, y ojalá me equivoque, el Jurado sentirá la tentación de no incluir en el Palmarés una película como ésta, ya que su condición de comedia la relegará a como mucho algún premio menor frente a propuestas más “rigurosas”. Sin embargo, escuchando las continuas carcajadas y las simpatías casi unánimes que la película ha despertado en su pase de prensa, servidor reflexionaba sobre el enorme mérito que tiene una película como Starbuck que pese a contar con un arranque tremendo fruto de su magnífica premisa, no deja de crecer a lo largo de todo su metraje, cerrándose además a la perfección y de forma sumamente coherente en su tramo final, sin dejar de hacer pensar y hacer reír al espectador en todo momento. Eso está al alcance de muy pocas comedias hoy en día. El Jurado haría bien en recordarlo.

SEMINCI2011 J02 Restauracion, In Darkness, Medianeras

2011-10-24T10:34:00.001+02:00

RESTAURACIÓN (Boker Tov, Adon Fidelman) De Padres e Hijos

A veces en los festivales uno se encuentra con películas que juegan al despiste, que parece que van a tomar unos derroteros y después su deriva es bien distinta, que utilizan la trama principal como una mera excusa para hablar de cosas más importantes, no demasiado evidentes en los primeros compases del filme. Eso sucede un poco con esta película israelí, que arranca con el súbito fallecimiento del dueño de un pequeño taller artesano especializado en restaurar viejos muebles, uno de esos negocios familiares de los de toda la vida que, de forma inevitable, parecen cada vez más destinados a desaparecer, sin sitio en el mundo moderno. El difunto deja su piso y sus bienes a su socio, Yakov Fidelman, un viejo trabajador que lleva cuarenta años allí metido, pero el taller se lo deja a Noah, el hijo de éste último, al que consideraba como su propio vástago, aunque Noah tiene su propio trabajo al margen de la restauración y no quiere saber nada del taller en el que su padre ha pasado toda su vida, que además atraviesa serias dificultades económicas. Yakov, que por supuesto quiere mantener su modo de vida, acaba de adoptar a como aprendiz a Antón, un chaval vagabundo y algo extravagante y, contra la opinión de su hijo Noah, pretende seguir abierto aunque es consciente que su taller está al borde de la extinción.

Como decía, la película parece en un principio que va a configurarse como una especie de alegato sentimental a favor de estos pequeños negocios familiares y en contra de la rentabilidad inmediata que daría vender el local para construir un edificio. Sin embargo, de manera lenta pero firme, Restauración acaba construyendo un firme e interesante discurso sobre la relación entre padres e hijos, ya sean estos naturales o “adoptados”. Antón asume el discurso de su patrón y pelea a su lado para mantener su modo de vida, aunque básicamente sea un niñato desocupado a la búsqueda de encontrar un sentido a la suya, mientras que a Yakov le pesa el ser consciente de no haber sido un buen padre para Noah y éste, que está a punto a su vez de ser padre, se debate entre la obligación de ayudar a su viejo y su sentido práctico, por no mencionar que desconfía abiertamente de la presencia de Antón. Si a eso le sumamos algunas insinuaciones del pasado que juguetean con la posibilidad de que Noah no sea hijo de Yakov, sino del difunto y la incipiente relación que empieza a tomar forma entre Antón y la esposa embarazadísima de Noah, la cosa va tomando tintes algo dramáticos.

Restauración tiene a su favor la presencia de Sasson Gabay, inmenso actor al que algunos recordarán como el Comandante de aquella banda de música egipcia que se perdía en un pueblecito de Israel en la deliciosa La Banda Nos Visita, y también el cuidadoso desarrollo de un guión que entrecruza los sentimientos paterno-filiales hasta hacer sentir algo incómodos a aquellos de los espectadores que tengan cuentas pendientes en ese terreno, ya sea como padre o como hijos. Que me temo que somos muchos. Por lo demás, aunque la película pueda ser algo farragosa por momentos y tenga esa metáfora demasiado obvia, casi un McGuffin, del piano Steinway escondido que una vez restaurado podría salvar el negocio, creo que es una obra bien llevada, rematada de forma muy coherente y que a más de uno le puede tocar la fibra. Por aquí la verdad es que no ha gustado mucho, pero a un servidor este segundo largometraje de Joseph Madmony le ha parecido bastante interesante.

IN DARKNESS, El Schindler de las alcantarillas.

Agnieszka Holland ha conseguido algo que parecía difícil a estas alturas: hacer una película más sobre los desmanes de los nazis con los judíos en Polonia que no suene a algo cien veces visto en una pantalla. Para ello Holland se ha valido de un filón muy particular, una historia real, la de Leopold Socha, un ratero que en marzo de 1943, con los judíos locales encerrados en el ghetto y la II Guerra Mundial en pleno apogeo, se vale de sus amplios conocimientos del alcantarillado de la ciudad de Lvov para hacer sus pequeños hurtos y sobrevivir en una situación complicada. Un día se encuentra que algunos de los judíos han escapado del ghetto a través de las alcantarillas y ve claro el negocio: mientras cuide de ellos y les mantenga a salvo de los nazis, éstos le pagarán bien y eso ayudará a su familia, aunque signifique poner su vida en riesgo. El problema es que, claro, por mucho que les explotes al principio y mucha desconfianza inicial que te muestren ellos, tras un cierto tiempo uno acaba por coger cariño a esos seres humanos y, siguiendo el idéntico esquema que Spielberg y Zaillan utilizaron en su momento para explicar la evolución de Oskar Schindler, llega un punto en el que acabas por jugarte el todo por el todo por ellos.

La película de Holland es bastante correcta, está bien rodada y fotografiada y ofrece las dosis necesarias de angustia para que puedas empatizar y sentir un poco desde la comodidad de la butaca el infierno que debió suponer para esos judíos aguantar la friolera de catorce meses allí abajo en la oscuridad, entre aguas fecales, ratas, aguantando hambre y enfermedades y con la amenaza constante de los nazis encima de ellos. Es verdad también que la película tiene un guión un tanto esquemático, peca de reiterativa y se excede un tanto en su metraje, pero esto último puede justificarse si de lo que se trata es de hacerte pasar por ese proceso.

La ambientación está bastante lograda y el tono esquiva con habilidad esos pecados habituales de las películas del Holocausto que son el sentimentalismo barato y cierta moralina, reincidiendo en elementos que no por machacados resultan aun hoy menos impactantes como la banalidad moral, la arbitrariedad del mal o la justificación de lo injustificable. A cambio, Holland ofrece un aspecto interesante: el de esos polacos que mayoritariamente miraron a otro lado – cuando no fueron abiertamente colaboracionistas – mientras los nazis ejecutaban su Solución Final y la toma de conciencia de uno de ellos que le llevó a ser un improbable héroe. ¿Es una cinta imprescindible del género? Pues no. Pero es correcta, se ve con agrado y no ofende la inteligencia del espectador ni trata de manipularlo, lo que también está muy bien.

MEDIANERAS, Dolorosa Soledad Urbana.

El pasado mes de febrero me llevé una muy grata impresión de esta película cuando la vi en la Berlinale – donde obtuvo el segundo Premio del Público solo por detrás, de forma bastante sorprendente en mi opinión, de la española También La Lluvia de Iciar Bollaín. Tuve la suerte de descubrir este estimable largometraje de Gustavo Taretto protagonizado por una argentinizada Pilar López de Ayala sin haber visto su homónimo corto anterior, multipremiado en decenas de Festivales de todo el mundo y embrión de este trabajo, y eso ayudó bastante a que su capacidad de sorpresa fuera mayor. Además, en aquellas fechas yo aun no había visitado Buenos Aires – estuve allí en abril – con lo cual este segundo visionado que me ha brindado su participación en la Seminci me ha permitido confirmar que estamos ante una de las aproximaciones más frescas, originales e inteligentes que se han hecho a mi género favorito – ya saben, ese de “Un Hombre, Una Mujer y 90 minutos de película por delante” – de los últimos años.

Medianeras es una historia de soledades urbanas. Dos personajes, chico y chica, ambos algo fóbicos por distintas razones a salir al exterior y relacionarse con la gente, viven el uno cerca del otro en Buenos Aires. Se buscan sin conocerse, se cruzan de forma constante sin que el uno sospeche que el otro es algo así como su alma gemela, tienen relaciones con terceros condenadas inevitablemente al fracaso, comparten un bajo momento personal muy parecido, buscan desesperadamente el amor como antídoto a su situación y, en fin, pasean su existencia por la vida esperando tener ese golpe de suerte que todos buscamos, Soledad urbana como digo de primer orden, incomunicación habitual que no solucionan ni el abuso de las nuevas tecnologías ni la automotivación desesperada.

Gustavo Taretto se revela en esta notable película como un tan brillante como feroz observador de la naturaleza humana, pero se acerca a sus criaturas con un afecto y una ternura dignas de todo elogio, usando el humor inteligente como bandera, creando una atmósfera que invita a encariñarse con ellos, mostrando sus debilidades e incoherencias, pero también su ternura, su deseo de amar y ser amados, esa continua frustración que tantos conocemos tan bien cuando nos resulta imposible conectar y encontrar esa persona que nos regale un poco de amor y felicidad.

Medianeras es una de esas películas repletas de hallazgos y momentos inspirados que hacen que uno salga del cine con la sensación de haber disfrutado de una experiencia de lo más refrescante. No es solamente que su aproximación al inacabable tema único sea original – ya tiene mérito esa idea de pasarse toda la película siguiendo a uno y a otro y conocer a fondo sus vidas cuando éstos ni siquiera se conocen, por más que se crucen constantemente y tengan infinidad de cosas en común – sino que en su forma de plasmarla Taretto parece ser capaz de mostrar una más que saludable capacidad de improvisación y diversidad de recursos narrativos que hacen de su propuesta algo irresistible.

Si a eso le sumamos un inconfundible sabor porteño – ahora sé algo que no pude apreciar del todo la primera vez que vi la película: hay que conocer un poco Buenos Aires y sus habitantes para entrar a fondo en el juego que propone, sin que eso signifique ni mucho menos que no se pueda disfrutar perfectamente sin ese conocimiento previo: Medianeras toca un tema universal con el que cualquier habitante del mundo puede identificarse – un guión repleto de sutilezas mucho menos obvio de lo que podría pensarse en un primer instante, una continua habilidad por parte de Taretto para salir airoso de alguna que otra trampa (como la forma en la que solventa algo tan difícil como el uso narrativamente impecable de unas redes sociales que lejos de conectarnos a veces parecen aislarnos aun más del resto) el buen uso de las referencias cinéfilas (¡ojo a ese momento Manhattan que demuestra lo seguro que está del material que maneja, asumiendo de frente las inevitables comparaciones con Woody Allen!) o musicales (ambos protagonistas escuchan a la vez por la radio un tema que no por casualidad es True Love Will Find You In The End de Daniel Johnson) más el excelente trabajo que hace un reparto ajustado en el que rayan a gran altura en sus respectivos papeles tanto Pilar López de Ayala como Javier Drolas, uno no puede sino rendirse a su brillantez y perdonarle alguna concesión final, que como justificaría aquel personaje de Woody Allen en Annie Hall “¿Qué esperaban? Era mi primera obra...” Un esplendoroso debut, esta Medianeras, metáfora por cierto de lo más inspirada de todo lo que puede llegar a separarnos en una gran ciudad, que deja un magnífico sabor de boca.

SEMINCI 2011 J01: Habemus Papam, El Perfecto Desconocido, Profesor Lazhar

2011-10-23T18:08:00.018+02:00

Un año más estoy en Valladolid, en la Seminci, un festival por el que guardo un especial cariño porque hace ya siete años se convirtió en mi primer destino “profesional” cuando lo cubrí para LaButaca.Net y porque tradicionalmente ha sido el principal proveedor de películas para el Festival de Cine Inédito de Mérida, algo que probablemente no se repita este año por la cercanía de fechas y porque la programación está ya bastante adelantada. No obstante, estoy convencido que habrá muchas cosas interesantes que ver en esta estimulante mezcla de directores noveles y autores consagrados (vuelven clásicos de la Seminci como los Dardenne o Guedigian y a ellos hay que sumarle a Zhang Yimou, Andrea Arnold, Agnieszka Holland, Mika Kaurismaki o, fuera de concurso, Nanni Moretti) que nos ofrece Javier Angulo y su equipo, con menos participación española que otros años (solo El Perfecto Desconocido de Toni Bestard y De Tu Ventana a la Mía de Paula Ortiz, ya que Medianeras y La Vida de Estela son películas argentinas con parte de producción española) y mucha voluntad, eso sí, de descubrir nuevos talentos, como ha sido tradicional en la Seminci. Veremos.

HABEMUS PAPAM – La Conjura de los Necios y el Papa Paralizado

Que Nanni Moretti tiene una vena gamberra casi lindando con la terrorista no es ninguna novedad para todos aquellos que han seguido de cerca la trayectoria del autor de Caro Diario o La Misa Ha Terminado, por más que haya demostrado que cuando quiere ponerse serio – La Habitación Del Hijo – es un autor con unos considerables recursos. Su última película, sin embargo, es una patada al hígado, con generosos aderezos de ironía y mala leche, a la sacrosanta Iglesia Católica, uno de sus blancos preferidos, a la que pone en la picota con una maravillosa premisa: un cónclave de cardenales que, tras elegir tras varias votaciones como Papa al típico candidato de consenso, un hombre bueno, amable y gris que gusta a todo el mundo, se encuentra con que éste, paralizado por un súbito ataque de pánico ante tamaña responsabilidad, elude su aparición pública y la bendición a los fieles sumiendo a la institución milenaria en una situación novedosa y caótica mientras el nuevo Sumo Pontífice le da vueltas a su atribulada condición.

El comienzo de Habemus Papam no puede calificarse sino de brillante. A la afilada descripción del proceso de votación – impagable la imagen de esos cardenales comportándose como niños desde un primer momento y ¡rezando a Dios por no ser el escogido! – Moretti le da una jugosa vuelta de tuerca introduciéndose en la ficción como ese psicoanalista ateo y cínico convocado de urgencia para resolver la situación al que por supuesto, le resulta del todo punto imposible hacer su trabajo en condiciones, algo que le permite el suficiente juego como para no dejar títere con cabeza en una sucesión de situaciones ridículas, absurdas y desternillantes en las que no faltan gags de lo más elaborados, líneas de diálogo punzantes, momentos de inusitada ternura y una celebración del absurdo de la situación tal que habría hecho las delicias de, digamos, un Azcona o un Billy Wilder cualquiera.

A todo esto, Moretti tiene un as en la manga, ese maravilloso actor llamado Michel Piccoli que está simplemente impecable como ese Papa aterrado, sobrepasado por los acontecimientos que toma las de villadiego a las primeras de cambio y se embarca en un viaje a ninguna parte mientras reflexiona sobre su vida y lo que le ha llevado a su actual situación. El problema de la película es una cuestión de enfoque: cuando resulta más evidente que Moretti debería centrar su discurso en el proceso que atraviesa su personaje central, se le va la mano con la parte bufa y prefiere recrearse en ocurrencias divertidas pero inocuas como ese torneo de voleibol que le monta a los cardenales, con lo que la sutileza y la mala leche de toda su primera parte desaparece para dejar paso a un humor más de brocha gorda que casi, solo casi, malogra una propuesta que, en cualquier caso, resulta de lo más entretenida y ocurrente.

Más allá de algún hallazgo cómico impagable – hay varios de irresistible gracia y notable irreverencia diseminados a lo largo del metraje – Habemus Papam es una de esas películas que, llegados a un determinado punto, parece gustarse demasiado a si misma. Y aunque los que compartimos esa sana vena cínica con la que aproximarse a una institución tan ridícula en ciertos comportamientos que no parece asumir la condición muy humana y por lo tanto, incoherente, llena de defectos y finalmente risible de aquellos que la componen podemos celebrar sus gracias y pasar un rato estupendo, es de lamentar una mayor contención que hubiera llevado su maravillosa premisa inicial a mejores resultados. Pero creo sinceramente que eso a Moretti le importa un bledo, así que… En cualquier caso, no deja de resultar curiosa la elección de una película como ésta para un Festival de Cine que, recordemos, en sus inicios se denominaba “Semana de Cine Religioso y Derechos Humanos” ¿Carga de profundidad de los programadores, quizás? Naa, deben ser imaginaciones mías...

EL PERFECTO DESCONOCIDO… Que ojalá lo hubiera seguido siendo

Toni Bestard es un realizador mallorquín cuyos excelentes trabajos en sendos cortometrajes (El Anónimo Caronte y Equipajes) hacía presagiar que quizás nos encontráramos ante un nuevo talento que nos diera muchas alegrías con su salto al largometraje. La cosa en principio prometía pese a lo trillado de su argumento: un extranjero que llega al típico pueblito casi abandonado en las montañas capaz de desatar con su sola presencia un buen puñado de situaciones curiosas entre sus nuevos vecinos, por las expectativas que unos otros, erróneamente, se hacen sobre su presencia en ese recóndito lugar del Mediterráneo. Con un reparto liderado por Colm Meaney, aquel actor fetiche de Stephen Frears en películas como Café Irlandés o La Camioneta, que además se pringó en el proyecto como productor del mismo, la cosa parecía bien encaminada.

Pues va a ser que no. Si quisiéramos hacer un chiste fácil, podríamos argüir que la presencia del personaje de Colm Meaney en la película es algo así como la confirmación del fracaso sin paliativos del sistema educativo español en lo que al inglés se refiere: ni uno solo de los habitantes del pueblito, ya sea joven o viejo, policía o campesino, parece hablar o entender una sola palabra de inglés. Ni tan siquiera, y esto sí que clama al cielo, un alemán despistado que se pasea por allí, cuando cualquiera que haya estado alguna vez en Alemania sabe que allí prácticamente todo cristo habla más que decentemente el idioma de Shakespeare.

No basta semejante desatino: el peregrino argumento que une los destinos de una aspirante a Lisbeth Salander cabreada con el mundo en general y su pueblo en particular, un chaval medio alelado y sobreprotegido por su madre que se presta a hacer de chico para todo del recién llegado, una seudo hippy obsesionada con ser madre (ya hay que hacerlo mal para que una actriz tan solvente como Ana Wagener parezca horrible en la película) y dos policías a cual más torpe, uno por ingenuo y otro simplemente por cabroncete, alrededor del irlandés desubicado está tan cogido por alfileres que se deshace al más mínimo análisis. Tampoco ayudan unos diálogos sonrojantes, alguna situaciones de esas que hacen que uno se ponga a imitar a Mourinho preguntándose “¿Por qué?” y una resolución a la altura del resto de la propuesta. O sea, desastrosa. No dudo del talento de Bestard… pero sí del de los programadores que han metido esta película en Sección Oficial. “Si el nivel de la Oficial es así”, reflexionaba más de uno a la salida del pase de ayer, “¿qué nos espera en Punto de Encuentro?”

PROFESOR LAHZAR, El placer de las películas sencillas y bien hechas.

Afortunadamente, bastó un solo día para eliminar esa ominosa reflexión. Lo que tardó en llegar el pase de la siguiente película a concurso (bueno, en realidad la siguiente fue la también estupenda Medianeras de Gustavo Taretto, pero servidor, que ya la había disfrutado en Berlin, aplazó el recuperarla en favor de disfrutar de la final del Mundial de Rugby que Nueva Zelanda ganó – inmerecidamente – a Francia por 8-7 en el Café Central, uno de los templos de este deporte en España), la canadiense Profesor Lahzar, flamante ganadora del Premio del Público y el de la Critica del Festival de Locarno y con la nominación a los Oscars por Canadá debajo del brazo. Viendo la película, todos esos galardones resultan de lo más comprensible. Pocas propuestas más agradables y bien realizadas he tenido ocasión de ver este año en un Festival como esta sencilla y sin embargo muy interesante película del para mi hasta ahora desconocido Philippe Falardeau, aunque éste sea su cuarto largometraje.

Arranca la película con un hecho terrible: el suicidio ahorcándose en clase de una profesora de primaria, siendo su cuerpo descubierto por uno de sus alumnos. Con semejante mazazo en la cabeza, la película nos presenta de inmediato al protagonista de la historia, ese profesor sustituto, argelino de origen, inmigrante y exiliado político que huye de su pasado y que se ofrece como sustituto para una clase lógicamente traumatizada ante la inexplicable desaparición de su profesora, cuyos alumnos de diez años han de lidiar, cada uno a su manera, con el inevitable duelo. El Profesor Lahzar, todo amabilidad, sensibilidad, inteligencia y comprensión – esos valores que hacen que nunca olvides a un profesor que haya sido capaz de conjugarlos con la paciencia de aguantarte para enseñarte algo – será el encargado de acompañarles en ese proceso.

Viendo las imágenes de la película de Falardeau, un prodigio de sencillez y sentido común capaz de plantear con precisión y contundencia no solo cuestiones interesantísimas relativas a la figura y el papel de un profesor hoy en día, tocando de frente y sin ambages la evolución del modelo tradicional hacia este sistema actual en el que, más que con niños, los profesores parecen abocados más a tratar con residuos radioactivos, como se afirma con no poca sorna en un momento del filme, sino tocando asimismo con precisión temas como la inmigración, el exilio, la incomprensión, la extraña actitud ante la muerte, el abandono parental o las distintas formas de enfrentarse al proceso de duelo, uno se plantea seriamente por qué demonios resulta absolutamente imposible imaginarse una película así, tan sencilla, bien hecha y repleta de inteligencia, en el cine español. Parece como si los franceses – recuerden La Clase, Hoy Comienza Todo, Ser y Tener... – o sus primos francófonos canadienses tuvieran una especial sensibilidad a la hora de abordar un tema tan esencial para el futuro de cualquier país como es la educación. Como me gustaría, en estos tiempos oscuros en los que la crisis parece la excusa ideal para recortar lo que nunca se debería tocar, que alguien tuviera en España los arrestos (y el talento, claro) suficientes para hacer una película la mitad de valiente, efectiva y bien realizada que ésta.

Su protagonista, Mohammed Felag, es desde ya un candidato claro para hacerse con el Premio de Interpretación Masculino por encarnar a ese profesor que desde la humildad y el afecto consigue conectar con esos niños y, más allá de enseñarles lo de siempre, educarles en algo aun más importante, los valores que son necesarios para saber conducirse por la vida. Con el humor como una forma de mostrar la realidad, con afecto, sin cruzar nunca la línea de la sensiblería y dejando caer de vez en cuando notables cargas de profundidad que no pasan desapercibidas – ojo a ese chaval, por cierto de apellido Garrido, que desvela en clase como quien no quiere la cosa un terrible hecho del pasado de su familia que te deja literalmente clavado en la butaca o la catarsis entre los dos niños principales, ambos un prodigio de naturalidad – Profesor Lahzar juega sus cartas con inteligencia, toca el corazón del espectador y conmueve de principio a fin. Para recordar por un rato a ese buen profesor o profesora que todos tuvimos alguna vez.

LAS ACACIAS, La emocion de una gran historia minima

2011-10-14T01:45:00.009+02:00

Un camionero hosco e introspectivo ha de llevar un cargamento de madera de acacia desde Asunción a Buenos Aires. Le obligan a llevar como acompañante a una mujer con su bebé de apenas unos meses. Él no siente el menor aprecio por la tarea encomendada y su actitud inicial es evasiva, correcta pero huidiza, inexpresiva. No se encuentra nada cómodo con la situación creada y tampoco se molesta en disimularlo. Ella se limita a ser educada, paciente, correcta. Su bebé en cambio no entiende de sutilezas: seduce a todo aquel que se pone a tiro, ya sea dentro o fuera de la pantalla.

El viaje transcurre tranquilo, sin estridencias. Con el paso de las horas, el roce suave entre ambos, la convivencia forzada, los pequeños detalles hacen que las primeras grietas asomen en la armadura emocional de él, mucho menos fuerte de lo que aparenta. Ella también tiene sus heridas recientes, navega a lo desconocido con un desconocido, su futuro es incierto. Poco a poco algo va surgiendo en esa historia mínima, repleta de sensibilidad y medida hasta en los más mínimos detalles. Un hombre, una mujer y apenas hora y media de película por delante. Mi género favorito, ese tema inacabable que produce oleadas de emoción inversas en tamaño al pequeño espacio de tiempo del que ambos disponen para desarrollar su relación. Una pequeña gran historia, capaz de extraer de lo mínimo lo más hermoso, la emoción más pura y genuina, abrirte suavemente el pecho, llegarte al corazón con las dosis justas de inteligencia y sensibilidad y acariciarte delicadamente.

No es de extrañar que Pablo Gironelli esté cosechando éxito tras éxito con esta ópera prima que ha tardado cinco años en levantar y que ya ganó la Cámara de Oro en la Semana de la Crítica en Cannes, la Sección Horizontes Latinos de san Sebastián y el premio a la Mejor Película en el 20 Festival de Cine Latinoamericano de Biarritz. Las Acacias es una de esas obras que más allá de su ritmo – que algunos pueden considerar lento, pero se equivocan: es exactamente el que debe tener una historia de esas características con unos protagonistas como éstos – de la perfección de su montaje, de la precisa mirada de la que se dota para transmitir todo lo que pretende, se apoya en un trabajo actoral de altos vuelos simplemente perfecto. Él, Germán de Silva, hace un ejercicio de contención apabullante, convirtiéndose en uno de esos actores capaces de transmitir mucho con un mínimo gesto, una mirada, un atisbo de sonrisa. Ella, Hebe Duarte, en su primer papel como actriz - ¡quién lo diría! – traspasa la pantalla con una lograda mezcla de ternura, humanidad e infinita comprensión de la situación que vive. Eso tan difícil de conseguir llamado química surge entre ellos de forma espontánea, sin imposturas, con mucha verdad. Y para colmo hasta esa increíble bebita es capaz de interactuar con ambos a gran altura.

El resultado es una película que habla en voz baja pero de forma firme y audible sobre el dolor de la pérdida, sobre la soledad, sobre la necesidad de aprender a conectar de nuevo, tanto con uno mismo como con el otro, sobre redescubrirse y sorprenderse. Las Acacias es una obra emocionante, tierna, indescriptiblemente hermosa, que afirma en su medidísima resolución toda una declaración de intenciones y de coherencia personal: lejos de un estallido de pasión desatada, aquí la épica – y esa emoción que te hace temblar de la cabeza a los pies sin que sepas muy bien de qué parte de tu interior con el que la película sabe conectar viene - consiste en reunir el valor suficiente para reconocer la importancia de lo que se está viviendo y vencer los propios miedos. Casi nada.

No ocurre casi nunca, pero hay veces en las que cuando alguien con el suficiente talento y paciencia crea una película desde la honestidad personal más absoluta, sabiendo perfectamente lo que quiere contar y cómo quiere contarlo, respetando la inteligencia del espectador y dándole su propio espacio para que llene por si mismo los huecos sin necesidad de conducirle o llevarle de la mano, se produce un pequeño milagro y el resultado es una de esas películas transparentes, delicadas que saben encontrar su camino al corazón del espectador. Las Acacias es uno de esos pequeños milagros, tan infrecuentes en nuestras carteleras. Harían ustedes bien en no dejar escapar la posibilidad de que esta pequeña gran historia, tan cotidiana y sin embargo tan enorme, pueda emocionarles.

Las Acacias se estrena hoy viernes 14 de Octubre en Madrid, Barcelona, Bilbao, San Sebastián, Sevilla, Málaga y Valladolid. El viernes 21 de Octubre en Valencia y el 04 de Noviembre en Las Palmas.

Para Pablo, Maria y Hebe. Por todos los inolvidables momentos compartidos en Biarritz. Gracias por hacer que mi vida sea ahora mucho más hermosa que antes. Espero que nuestros caminos vuelvan a cruzarse más pronto que tarde. Un abrazo. D.

SITGES 2011: ¡Mas Madera!

2011-10-13T10:08:00.013+02:00

THE YELLOW SEA (Na Hong Jin, Korea del Sur)

De que va: En la frontera entre las dos Coreas y China, la mitad de la población vive de actividades ilegales. Un taxista algo ludópata ahogado por las deudas sufre la ausencia de su mujer, que partió a Corea del Sur en busca de una vida mejor y de la que no tiene noticas. La única solución para ambos problemas pasa por aceptar un trato que le han propuesto: lo ayudarán a cruzar la frontera a cambio de que cometa un asesinato.

Hay una cosa muy interesante en esta adrenalítica y desconcertante película firmada por el responsable de The Chaser: toca diversos géneros a lo largo de su metraje y en todos ellos resulta superlativo, sin que por ello la mezcla se resienta. Empieza como un drama describiendo la triste situación de ese taxista atrapado, continua como una película de denuncia social cuando narra de forma magistral como nuestro protagonista entra ilegalmente en su propio país de origen a través de las redes mafiosas, al más puro estilo Winterbottom en In This World, generando una considerable dosis de angustia, pasa a ser casi un polar francés mientras prepara el asesinato, todo meticulosidad e hieratismo… y acaba por desmadrarse por completo cuando se convierte en una película de acción tras un par de espectaculares secuencias de persecución, sazonada con esos toques violentos que recuerdan por momentos aquella canónica película coreana que lo cambió todo, Old Boy de Park Chan Wook.

Probablemente The Yellow Sea es una obra desmedida, excesiva, de esas que no resisten análisis rigurosos. ¿A quien le importa? Es irresistiblemente entretenida, está rodada de forma brillante – su puesta en escena utiliza de forma notable un recursos como la elipsis y el off visual de los que no todos los directores saben sacar tanto partido como Na Hong Jin – y cuando se pone bruta de verdad, con esas peleas entre bandas de mafiosos a cuchilladas y hachazos limpios, pasando de armas de fuego (eso para los polis coreanos, los torpes de la función), resulta espectacular incluso en su desmelene. Es una suerte de “muerte interminable” por el afán e instinto de supervivencia de su protagonista, metido sin comerlo ni beberlo en un berenjenal de mucho cuidado que le supera por completo. Mucho mejor película cuando se la deja reposar un poco ya que en directo tiene cosas de esas que te pueden sacar de la propuesta, The Yellow Sea quedará como una de las obras más impactante e importantes de este Sitges 2011.

HARA KIRI: DEATH OF A SAMURAI (Takashi Miike, Japón)

De qué va: Ichimei narra la historia de Hanshiro, un samurai que llega a la residencia de un clan con la intención de terminar con su vida llevando a cabo el ritual del harakiri. El líder del clan intenta disuadirlo contándole la trágica historia de Motome, un joven que, poco tiempo atrás, llegó a ese lugar con las mismas intenciones. Con el tiempo se verá que ambas historias están relacionadas de forma mucho más estrecha de lo que parece.

Takashi Miike se hace mayor. Y con él, también sus películas. Parece que el espíritu transgresor y gamberro del autor de Ichi the Killer ha dejado paso a una voluntad de ir rehaciendo chambara (película clásica de samuráis) tras chambara no tanto con afán de enmendarle la plana a los clásicos, sino más bien para encontrar un cierto equilibrio en su estilo de hacer cine. Lo cierto es que, tras 13 Asesinos, esta nueva película de Miike se va aun más que la anterior por el lado dramático. Con una puesta en escena muy teatral y académica – a la que por cierto no le aporta absolutamente nada la decisión de haber sido rodada en 3D, salvo algún efecto visual hermoso con la lluvia o la nieve – Miike se toma su tiempo y pone a prueba nuestra paciencia para desarrollar un señor drama sin apenas concesiones (y cuando las hace, en la pelea final, rechina no poco porque la columna de la película es bien otra) con un estilo contemplativo, que cede el protagonismo a sus actores y en el que destaca un primer seppuku ritual realizado con una espada de madera que si ya resulta doloroso de ver, lo es aun más al recordarlo cuando Miike va enseñando sus cartas y desvelando la historia oculta tras el mismo con la presencia de un segundo samurái que expresa su voluntad de suicidarse en el patio de una gran casa.

Miike parece haberse domesticado, no sabemos si definitivamente. Lo que no se puede negar es que este cambio de registro le sienta bien a su cine, por más que muchos añoren (esta bien: añoremos) su vena más gamberra. Hara Kiri: Death of a Samurai es una película pulcra, bien rodada y mejor interpretada, en la que la fuerza de su drama con cierto componente social resulta mucho más logrado y convincente que las mínimas escenas de acción de la película, que incluso están rodadas con cierta desgana, como si Miike fuera consciente de su papel secundario. No es ninguna maravilla, ni tampoco aporta nada especialmente novedoso al género que todos conocemos, pero tampoco se le pueden poner muchas más pegas que las ya mencionadas. Todos nos vamos haciendo mayores. Hasta los más gamberros como Miike.

MELANCHOLIA (Lars Von Trier, Dinamarca)

De que va: Justine celebra su boda en la mansión de su hermana Claire y su esposo. Pero muy pronto las excentricidades de Justine hacen que la boda se convierta en algo problemático. Mientras tanto, un planeta nuevo que ha aparecido en el cielo, Melancolía, se dirige hacia la Tierra lenta pero al parecer de forma inexorable.

Resulta una verdadera lástima, ya que estábamos hablando de harakiris varios al respecto de la película de Miike, que el amigo Lars Von Trier la liara parda en la rueda de prensa del pasado Festival de Cannes con aquellas declaraciones sobre que entendía al Hitler ser humano – que a mi la verdad es que nunca me parecieron demasiado escandalosas – que le valieron no solo que el certamen más importante del mundo que le encumbrara en su momento lo declarara persona non grata sino, y esto es mucho más grave, que ensombreciera por completo los muchos méritos de su última película. La verdad es que una vez vistas Melancholia y El Arbol de la Vida uno no puede sino pensar en una suerte de conjunción cósmica que hiciera coincidir las dos ambiciosas propuestas de Von Trier y Malick en la misma edición de Cannes. Menudo subidón debió ser para todos aquellos que las vieran de forma consecutiva o con pocas horas de diferencia.

El arranque de Melancholia resulta arriesgadísimo y sin embargo el resultado es brutal: una serie de imágenes preciosistas, en cámara ultralenta, como si de preciosas y dolorosas postales visuales se trataran que mostraran una serie de instantes congelados, reales o soñados que pertenecen al argumento que se desarrollará con posterioridad, culminan con el impactante choque de la Tierra con un planeta de mucho mayor tamaño y la consiguiente destrucción de nuestro hogar. Todo servido con la inconfundible música de Mahler. Un espectáculo sobrecogedor que te deja temblando con una pura sobredosis de belleza en la butaca. Y solo van diez minutos de metraje.

De ahí Von Trier pasa a desarrollar su historia en dos partes. Primero la boda más desoladoramente triste de la historia del cine, solo superada en términos de mal rollo general por aquella Celebración con la que nos sacudió hace años otro danés, Thomas Vinterberg. Von Trier rodea a Justine, esa novia desequilibrada y llena de dudas – impresionante Kirsten Dunst en el mejor papel que ha hecho en su vida –, de una de esas familias tremebundas, verdadero via crucis de parientes, que cuanto más empujan en la dirección de esa obligada felicidad, más consiguen el efecto contrario. Sobre todo Claire – otra no menos tremenda Charlotte Gainsbourgh – que es algo así como su reverso y su complemento: una hermana devota y sacrificada cuyos sentimientos ambivalentes hacia Justine hace de la relación entre ambas uno de los grandes motores de la película. Von Trier entreteje con pasmosa facilidad ese universo ambiguo, moralmente perverso, a veces deliberadamente atroz con una serie de precisas cuchilladas que definen personajes de forma tan afilada como certera. En manos de cualquier otro cineasta menos hábil, lo que sucede con Justine en esa primera parte simplemente no sería creíble.

Luego está Melancholía, claro. Ese planeta que cada vez se hace más grande en el cielo y que de forma ominosa domina la segunda parte de la película, en la que varios de los personajes esperan su destino. Aquí Von Trier se muestra incluso más hábil, pasa del retrato coral a la introspección íntima con el trasfondo de un evento cósmico – en este aspecto es donde se dan las mayores similitudes con el filme de Malick – y consigue reducir a ese drama aislado la enormidad del dolor de la destrucción, el olvido y la pérdida que se avecina de forma inevitable. Todo está narrado de forma magistral, de una forma desoladoramente bella y aunque es cierto que esta es una película más hecha con la cabeza que con las entrañas – al contrario de lo que sucedía en la mucho más salvaje pero también más desequilibrada y enferma Anticristo – Melancholia funciona como un reloj de precisión, desembocando en un plano final que es un estallido de emoción tal que difícilmente puede dejar a nadie indiferente. Me importa un bledo el Lars Von Trier personaje, lo que haya dicho, diga o pueda decir en el futuro. Mientras siga haciendo películas tan soberbias y dolorosamente hermosas como ésta puede seguir provocando cuanto le venga en gana. A los genios, incluso a los que están tan zumbados como Von Trier capaces de torpedearse a si mismos de forma tan idiota, se les puede y se les debe perdonar estas cosas.

TWITX (Francis Ford Coppola, USA)

De qué va: Un escritor de novelas baratas sobre brujería en crisis llega a un pequeño pueblo para promocionar su última novela. Allí se va a encontrar con un antiguo misterio que le inspirará para escribir su próximo trabajo.

A la mayoría de la peña no le ha gustado TWIXT, lo nuevo de Coppola. A mi sí. Me ha reconciliado con él después de aquel horrible e indigno esperpento que era Tetro. Es como un episodio de Cuentos Asombrosos alargado, con un argumento típico de Stephen King - escritor en crisis que va a pueblo de la America profunda y se mete de lleno en una historia de fantasmas - que no hay que cometer el error de tomarse demasiado en serio, primero porque el mismo Coppola no lo hace y segundo porque su tono juguetón y despreocupado – es casi una comedia de John Landis en algunos momentos… ¡Si hasta tiene al pobre Ben Chaplin interpretando al mismísimo Edgar Allan Poe! - no invita precisamente a ello. Muy estilizada e interesante la representación del mundo onírico con un uso inteligentisimo del color y el blanco y negro que no puede por menos que recordarnos algunos momentos de su inolvidable Drácula. Elle Fanning, la niña prodigio de Super 8 y Somewhere vuelve a salirse. Otra vez. Y hasta Val Kilmer está bien en su rol de escritor en crisis de vuelta de todo aunque aun mejor el robaescenas Bruce Dern como ese estrambótico sheriff de pueblo con ínfulas literarias que acompaña al protagonista.

Conviene recordar que desde Dementia 13 Coppola no había hecho una pieza de género como ésta. Y sin ser ninguna maravilla, Twixt resulta razonablemente entretenida. Otra cosa es que esperemos de Coppola a estas alturas de su vida, en la que ha dejado claro que le interesan mucho más sus viñedos que las cámaras de cine, que nos ofrezca algo al nivel de sus mejores obras. Yo me conformo con que siga activo y no me perpetre horrores pretenciosos como Tetro, sino simpáticos divertimentos como éste. Ah, por cierto, la película tiene dos escenas en 3D, que además te avisan cuando van a ser con un plano de las gafas cruzando la pantalla para que te las pongas. Muy logradas ambas escenas pero al mismo tiempo toda una declaración de intenciones y un ejercicio de coherencia por parte de Coppola ¿Para qué demonios vas a rodar toda una película en 3D con la consecuente pérdida de luminosidad si solo puedes sacar buen partido del mismo en momentos puntuales? Ojalá el resto de Hollywood lo tuviera así de claro, otro gallo cantaría.

Bueno, pues esto entra en su recta final. Bryan Singer ha estado por aquí para recoger el premio Máquina del Tiempo a toda su trayectoria, Nacho Vigalondo se ha metido a casi todo el Festival en el bolsillo con su Extraterrestre y una seudo Masterclass que acabó convirtiéndose en una fiesta multitudinaria con la presencia de los chanantes miembros del reparto de la peli y mientras sigo tragando película tras película, ahorrándoles eso sí el trago de mencionar aquellas que no merecen demasiado la pena…

SITGES 2011: A vuelapluma...

2011-10-10T01:34:00.002+02:00

Pues si. Un año más estoy en Sitges, desde donde os escribo. Encadeno casi sin proponérmelo un Festival tras otro y tengo CineMerida desatendido por pura falta de tiempo. No me ha dado tiempo siquiera a avisaros que toda la cobertura del Festival de San Sebastian tras esa triste única crónica que apareció hace ya varias semanas está en este enlace de Culturamas, la revista para la que cubrí Donosti y que ha hecho maravillas de maquetación con mis artículos y mis videocrónicas. Cuando vuelva a Mérida espero poder actualizar CineMerida como es debido y poner mis crónicas también donde corresponde pero hasta entonces, podeis echar un ojo a este magnífico especial. Ah, también he cubierto San Sebastián para una web argentina amiga, A Sala Llena. Podeis encontrar los mismos artículos en este enlace. Tras la paliza de San Sebastián me fui al Festival de Cine Latinoamericano de Biarritz, que cumplió 20 años premiando dos maravillosas películas, Las Acacias y Porfirio, de las que tengo pendiente hablaros en profundidad en algún momento. Un Festival que ha significado mucho para mi y que ha sido un verdadero bálsamo donde he vivido experiencias maravillosas. Maravillosas de verdad. También quedará para más adelante, paciencia.

Vamos a centrarnos en Sitges, festival elefantiásico en su propuesta donde los haya, ese sitio donde puedes ver películas las 24 horas del día, hacerte siete u ocho seguidas si tu cuerpo es capaz de aguantarlo y donde las colas no son un deporte sino una obligación, dándose situaciones tan surrealistas como que salgas del Auditori o del Retiro de ver una película cualquiera y vayas directamente a la cola de la siguiente que se pasa en el mismo sitio, sin tiempo para tomar un café , pasear, charlar, mucho menos asimilar todo lo que se está viendo. Por supuesto tampoco hay tiempo de escribir. Como mucho actualizar Facebook o Twitter con el móvil mientras haces cola… o tomarte una noche libre como estoy haciendo yo en este instante. No os confundáis: hoy he visto cuatro pelis y me he chupado una masterclass de Ishiguro Haroshi sobre robótica e Inteligencia Artificial. Pero lo que llevaba visto hasta ahora era tan bueno y me sentía tan bien que sabía que por ley de probabilidades si seguía viendo una peli más, me iba a tocar una chunga. Asi que me he venido al bar a escribiros. Eso que salís ganando. Y yo tranquilizo la conciencia de paso. Vamos con lo más interesante visto en estos primeros días. Os aviso: aunque sea casi telegráfico, igual os agoto un poco.

EVA (Kike Maillo, España, película de Inauguración)

De que va: En el año 2041, Álex, un brillante diseñador de máquinas, regresa al pueblo donde se crió. Su objetivo: terminar un proyecto inacabado para la creación de un niño robot. Su obstáculo: el doloroso reencuentro con Lana, su antiguo amor, casada ahora con su hermano David. Eva, la revoltosa hija de David y Lana, cautivará a Álex, que la tomará como modelo para su arriesgado proyecto.

A vuelapluma: Visualmente la película es impecable. Sorprende y Escándalo Films vuelve a dar en el clavo con una propuesta original, novedosa e impactante. El reparto está muy ajustado, destacando un portentoso Lluis Homar que es el Alfred 2.0 que Bruce Wayne/Batman nunca tuvo – que se come a Daniel Bruhl y a cuanto incauto se atreve a compartir plano con él - y la niña, Claudia Vega, un descubrimiento y un prodigio de naturalidad y frescura. Sin embargo, peca de ser una peli algo plana, sin puntos de giro y que por momentos se queda muy fría, sin emocionar lo que debería. Se la ve venir de lejos. Aun así, una película de lo más estimable.

THE UNJUST (Ryoo Seung Wan, Korea del Sur)

De que Va: Un asesino en serie aficionado a matar y descuartizar colegialas aterroriza Corea del Sur. La policía pone todo su empeño en capturarlo pero, justo cuando parecían haber encontrado a un sospechoso, este muere en un tiroteo. Faltos de pruebas que lo inculpen, los altos mandos deciden buscar a la desesperada un cabeza de turco al que cargarle los muertos. El inspector de policía Cheol-Gi acepta la responsabilidad con la esperanza de que esto le sirva para promocionarse dentro del cuerpo, iniciando una investigación con métodos poco ortodoxos en la que se asociará con el gángster Jang Suk-Gu. Y por allí anda también un fiscal más preocupado por mantener ciertas amistades peligrosas que por enchironar a quien debe. Caminos destinados a cruzarse en algún momento.

A Vuelapluma: Poderoso thriller éste en el que Ryoo Seung Wan esboza un despiadado retrato de la corrupción a todos los niveles enfrentando a un sinuoso fiscal que contemporiza con los poderosos a los que debería enchironar y un policía que empieza siendo el héroe de la función y evoluciona hasta igualar en corrupción al primero. No deja títere con cabeza el coreano en una peli trepidante, salvaje a ratos y muy bien cerrada, que deja regusto a muy buen cine de acción. Resulta de lo más divertido que uno empiece identificándose con el poli frente al fiscal y acabe despreciándole por sus actos mucho más que a éste, en el fondo bastante más coherente dentro de su nivel de corruptela. El plano final, con la cámara elevándose al cielo entre los rascacielos y pasando por una enorme bandera de Korea del Sur es una contundente patada al hígado de su propio país que no deja mucha duda sobre lo que Ryoo Seung-Wan piensa del mismo. Notable.

GUILTY OF ROMANCE (Sion Sono, Japón)

De que Va: Izumi es la esposa de un exitoso escritor. Su día a día pasa por una anodina rutina y por una relación sin pasión. Un día, Izumi comienza a trabajar en un supermercado vendiendo salchichas; otro, termina involucrándose en una película pornográfica; y finalmente, comienza a ejercer de prostituta. Mientras ella se sumerge en una espiral de sexualidad irrefrenable, un cadáver aparece en el barrio de los hoteles del amor.

A Vuelapluma: El salvaje de Sion Sono (¿alguien ha visto Cold Fish? Pues eso) parte de un asesinato inicial tipo Seven para desarrollar una historia repleta de sexo morboso y enfermizo en la que una aburrida y retozona ama de casa japonesa redescubre su sexualidad y se deja arrastrar por ella hasta los niveles de depravación más insondables de la mano de otra bicha de mucho cuidado. La historia no solo engancha, sino que pone sobremanera (Miki Mizuno es una toda una bomba sexual, un mito erótico de gran calado) y a mitad de película hay una increíble escena de una conversación alrededor de una mesa que es uno de los mayores ejercicios de terrorismo verbal que he visto nunca en una pantalla. Tremendo. Lástima que al final Sono parezca no saber como cerrar su historia, se le vaya la pinza y se ponga insoportablemente moralista, casi cargándose lo que hasta ese momento casi parecía un alegato a favor de la libertad sexual femenina. Aun así, es una peli muy interesante que merece la pena. Este Sion Sono es toda una pieza. Y uno de los cineastas más libres que conozco. No se para en barras ante nada el tipo… Imprescindible.

CONTAGIO (Steven Soderbergh, USA)

De que Va: Piensen en su día a día, cuando pasan la tarjeta de crédito a un camarero, cuando se dan la mano en una reunión de trabajo o cuando ven a alguien estornudar en el bus. Un instante, y el contagio ya se ha producido. De regreso de un viaje de negocios en Hong Kong, Beth ve como el inofensivo resfriado que tenía se convierte en algo mucho más serio. Pronto, más casos como el de Beth comienzan a salir a la luz por todo el planeta: la pandemia es una realidad, la alarma se desata. Y el Apocalipsis también.

A Vuelapluma: De manera elegante, precisa, con un ritmo excelente y rodeado de un reparto cómplice el amigo Soderbergh desarrolla la idea de un virus mortal que se extiende más rápido por el planeta que el odio a Esperanza Aguirre entre los profes de secundaria en Madrid. Uno tiene la misma sensación que viendo United 93 de Greengrass: si algún día pasa, no hay organismo, ejército, vacuna o medida que nos libre. Le sobra la resolución, pelin forzada para mi gusto, pero es una peli de lo más inquietante. Y directa. Que elegante es este tio haciendo cine cuando quiere, menudos encuadres y que montaje más medido... quizás le sobra alguna que otra concesión comercial: aunque yo soy un gran fan del tema All I Want Is You de U2, me chirría un poco su uso al final de la peli para una especie de seudo happy end que queda forzado y no casa con el estilo sobrio genral. Pero Contagio es un prodigio de ritmo y un tratado sobre cómo ir soltando poco a poco la información a la vez que se mantiene la tensión. El reparto está estupendo, del primero al último. Y están mis adoradas Kate Winslet y Marion Cotillard... Como decía Jorge Sanz después de follarse a Maribel Verdú en Belle Epoque "¡Como no me va a gustar!"

MIENTRAS DUERMES (Jaume Balagueró, España)

De que Va: César trabaja de portero en un inmueble de viviendas. Su trabajo le permite conocer a fondo todo de todos los inquilinos; de hecho, si quisiera, podría incluso controlar sus vidas, influir en ellas como si fuera un Dios, abrir sus heridas y hurgar en ellas. Y todo sin levantar ninguna sospecha. Clara, la nueva y alegre vecina del quinto, se convertirá en su principal objetivo.

A Vuelapluma: Balagueró rueda cada vez mejor, el magnifico arranque de la peli presentando la cotidianidad de ese conserje psicópata e inquietante - perfecto Luis Tosar en un papel que le va como un guante - que ronda a Marta Etura engancha y la atmósfera y tensión funcionan... hasta que la peli sufre a mitad de metraje de unos muy serios problemas de credibilidad que por mucho que se esfuerce su guionista Alberto Marini en atar todos los cabos afectan a su verosimilitud hasta convertirlo en un problema casi insalvable. La peli inquieta y tiene sus buenos momentos, pero está lejos, muy lejos de ser una obra redonda.

JANE EYRE (Cary Joji Fukunaga, Reino Unido)

De que Va: Siguiendo el texto clásico de Charlotte Brönte Jane Eyre nos traslada a la Inglaterra del siglo XIX, donde, tras una infancia difícil, la joven Jane se instala en la mansión del señor Rochester para trabajar como criada. La relación de la chica con el dueño de la casa se convierte en el motor de una película de corazón romántico y de atmósfera algo fantástica. Desde el encuentro con un joven bondadoso que prestará su ayuda a Jane, a sus enfrentamientos con la familia con la que se crió, Jane Eyre nos narra el trayecto vital de su heroína a través de diversos saltos temporales.

A Vuelapluma: Para mi que Cary Fukunaga (autor de una peli interesante sobre la emigración de mexicanos a los USA, Sin Nombre) es el tipico caso de director nuevo al que Hollywood le encarga una peli grande sin saber si verdaderamente puede hacerse cargo de algo semejante. Creo que se ha metido tal sobredosis de pelis de época para preparar esta adaptación que se ha indigestado: siendo Jane Eyre una obra arrebatada y pasional, la peli es de un frío glacial inexplicable, correcta y engolada como ella sola. Y si cojo al violinista de la BSO de Marianelli, le rompo el violín y se lo meto por el culo. Que cosa más intrusiva de música por bonita que sea, por dios santo: si es verdad eso de que las BSO a veces son como señales de tráfico para indicar al espectador lo que debe sentir, aquí son como vallas electorales enormes. Inaguantable. Y mira que la Mia Wasikowska está, como de costumbre últimamente, bien en su papel - mejor que el un tanto envarado Michael Fassbender, por cierto - pero esta versión de Jane Eyre sufre de una sobredosis brutal de academicismo. Que cosa más fria de peli, brrrr.

ANOTHER EARTH (Mike Cahill, USA)

De que va: Rhoda acaba de ser aceptada en el prestigioso Instituto Tecnológico de Massachusetts cuando, volviendo en coche de una fiesta, atisba un planeta en el horizonte. Distraída, choca contra otro vehículo, matando varios miembros de una familia. Los años pasan y se descubre que aquel planeta es una réplica exacta de la Tierra, Tierra Dos, con dobles de todos sus habitantes. Rhoda, tras cumplir condena por su responsabilidad en el accidente, decide contactar con el único superviviente del siniestro, sin revelarle su verdadera identidad. Lentamente, la intimidad entre los dos se va estrechando, mientras Rhoda no deja de pensar en ese planeta-espejo que la observa silencioso desde el cielo.

A Vuelapluma: Primera gran sorpresa positiva de Sitges. Una película que más allá del trasfondo de ese segundo planeta idéntico al nuestro que aparece de improviso en el cielo, esconde una poderosa historia de amor e improbable redención. Delicada, sensible, medida, con un final magnífico. La verdad es que hemos salido del tempranero pase de esta mañana casi en estado de shock de puro gusto: Otra Tierra es original, preciosa, cuidada en todo detalle... y con una prota, la impresionante Brit Marling, una explosiva conjunción de belleza y talento interpretativo que es también co-guionista de la película, capaz de robarte el corazón antes que te des cuenta. Ojo con este director debutante, Mike Cahill, al que convendrá seguirle la pista muy de cerca. Candidata clara al Palmarés final.

THE MORTICIAN (Gareth Maxwell Roberts, USA y Reino Unido)

De que Va: En un barrio dominado por las bandas y la violencia desatada, un forense apodado The Mortician sobrevive trabajando en una morgue y con la única compañía de una prostituta llamada Ava. La llegada de un cadáver con un extraño tatuaje, la aparición de un peligroso gángster y el encuentro con un misterioso niño cambiarán el sino de la vida de nuestro protagonista, un hombre que ejecuta su trabajo con firmeza y frialdad.

A Vuelapluma: Muy buenas impresiones y un grato sabor de boca me ha dejado esta película de Gareth Maxwell Roberts, inesperada en su temática y sorprendente por la falta de elementos fantásticos que justifiquen su inclusión en Sitges, más allá de un 3D que resalta ciertos momentos algo gore dada la naturaleza del trabajo del tipo y su gusto por la taxidermia en sus ratos libres. Ecos más que evidentes en su ambientación de la canónica y maravillosa The Wire para seguir los pasos a un apocado y educado forense de barrio chungo sobrepasado por las circunstancias que verá como su deseo de mantener un perfil bajo que le haga pasar desapercibido no va a durar demasiado. La película se detiene mucho en crear su atmósfera y explicarnos al personaje central, por lo que se toma su tiempo en entrar en materia en lo que a la historia se refiere. Muy ajustado el elenco en general y Method Man (si, el mismo, el de los Wu-Tang Clan) en particular y una duda razonable ¿Se puede saber que carajo aporta el 3D a una película tan sobria como ésta? Inexplicable.

ATTACK THE BLOCK (Joe Cornish, Reino Unido)

De que va: Un grupo de macarras londinenses adolescentes asalta a una enfermera a la que dejan en paz al ver cómo un extraño objeto cae sobre un coche. Cuando llegue al vehículo, la pandilla verá como lo que ha aterrizado es una extraña criatura con la que tienen un violento encontronazo. Es el pistoletazo de salida para una película sobre una invasión alienígena contra la que se alza, con inusitada violencia y determinación, un grupo de chavales dispuestos a todo por defender su puto barrio, you get me?

A Vuelapluma: Irresistiblemente divertido el arranque, unos aliens con pinta de gremlins peludos llenos de dientes invaden la tierra... y no se les ocurre mejor cosa que empezar por South London, donde los negratas aprendices de gangsta de esos que montaron las revueltas callejeras de hace unas semanas se dedican a defender su bloque de casas y a patearles el culo a modo. Mucho humor negro, un guión inteligente repleto de referencias cinéfilas y televisivas y pura diversión descacharrante para una peli de espíritu teenager repleta de ultraviolencia que lleva el sello inconfundible de los creadores de Shaun of the Dead (Zombies Party) sellado con la presencia en el reparto en un papelito secundario pero magnífico del gran Nick Frost . Una película divertidísima, genial por momentos, destinada a ser una obra de culto para toda una generación, casi como unos Goonies de nuevo – y mucho más violento – cuño.

SCABBARD SAMURAI (Hitoshi Tsukamoto, Japón)

De que va: Kanjuro Nomi es un samurai sin espada, solo conserva su funda. Tras abandonar por completo la violencia y embarcarse en un viaje con su hija Tae, ahora está en busca y captura como desertor. Su única opción de salvar la vida es hacerle recuperar la sonrisa al principe, triste desde la muerte de su madre. Para ello dispondrá de 30 días: si no lo logra, deberá cometer sepukku, el suicidio ritual destripándose para conservar su honor.

A Vuelapluma: Mi primera experiencia con el inclasificable Hitoshi Mutsamoto ha sido increíble. Una película sobre un samurai sin espada condenado al seppuku que tiene 30 oportunidades para hacer reír a un niño y así salvar su vida. Humor Amarillo del de toda la vida, cruel, bestia y negrísimo pero elevado a la enésima potencia, con gags quevan desde los que apelan al humor directo por la via del porrazo y tentetieso hasta otros elaboradísimos de puesta en escena y ejecución, incluyendo algunos hallazgos que resultan simplemente antológicos. No he parado de reírme un momento. Hasta que la peli entra en su tramo final y el amigo Matsumoto, que tiene unos huevos más grandes que el Señor Lobo, le pega una vuelta de tuerca a su propuesta que te deja flipando en tierra de nadie, alucinado ante el cambio de tercio brutal al que somete al espectador, arriesgadísimo, desconcertante… y magnífico. Muy, muy grande este Matsumoto. A buscar obras previas suyas toca...

Pues eso es lo que hay de momento, que no es poco, pero tampoco todo. Me dejo en el tintero además de las pelis que he visto que no merecen mayor comentario, por ejemplo, las maravillosas experiencias vividas alrededor de la exposición de 75 dibujos, diseños originales que Chris Baker, presente en Sitges (y con el que he hecho muy buenas migas) hizo en su momento para Stanley Kubrick con motivo del proyecto de Inteligencia Artificial y que definieron el mundo recreado en la peli póstuma firmada por Steven Spielberg. Grande de verdad el encuentro con Chris Baker y el reencuentro, un año después, con Jan Harlan, amigo personal de Kubrick y productor de todos sus últimos filmes.

O la impresionante masterclass que nos ha dedicado esta mañana Hiroshi Ishiguro, el profesor de robótica de la Universidad de Osaka que revolucionó el mundo de los androides creando un geminoide a su imagen y semejanza que se ha convertido en el poster de este año de Sitges, y que en mi opinión es algo así como un Señor del Mal encubierto que tiene unas ideas del futuro tan particulares como inquietantes. He aprendido un montón esta mañana, pero me ha quedado una sensación un tanto extraña: miren atentamente la foto de Ishiguro bajo su geminoide y diganme que no sienten algo perturbador en ella... Pues eso.

Y solo llevamos cuatro días. Aun queda mucho, mucho por ver y disfrutar.

SAN SEBASTIAN J02 AMEN, ALBERT NOBBS, ¿Y AHORA DONDE VAMOS?, MARTHA MARCY MAY MARLENE

2011-09-18T18:04:00.019+02:00

AMEN, Un responso por el cineasta Kim Ki Duk (Sección Oficial)

Aprecio mucho el cine de Kim Ki Duk. Además tengo una vinculación especial con él a través de los festivales: mi primera experiencia, esa Seminci 2004 que ganó con su maravillosa Hierro 3, me descubrió a un cineasta que creaba imágenes de verdadera poesía, que se apoyaba como pocos en otras artes como la música o la fotografía para llenar de belleza sus planos, que explotaba una rara lírica, a medio camino entre lo sublime y lo ridículo, poseedora de un raro humor negro y a veces invadida por una sobrecogedora violencia moral y física, características todas ellas que impregnaban obras como Primavera, Verano, Otoño, Invierno y Primavera, Samaritan Girl o El Arco, por citar algunas. Ya hace dos años, en este mismo festival, el amigo Kinki, tras varios años de ser el autor más representativo – con permiso de Park Chan Wook y algún otro – de esa ola de nuevo cine coreano que se puso de moda, dio serias muestras de agotamiento con su ridícula Dream. El tipo necesitaba un descanso de sí mismo.

Así pues me acerco a Amén con la mejor de las disposiciones, esperando reencontrarme con las viejas sensaciones. Para empezar me topo con una película grabada cámara digital en mano, sin el más mínimo atisbo del refinamiento de la puesta en escena y el cuidado artístico de los planos que caracterizaban a Kim Ki Duk, que ahora se asemeja más a un primo tonto coreano del Dogma danés. Malo. El argumento se desarrolla en torno a una chica que busca por Europa a un antiguo novio artista. Llega a Paris y le dicen que se ha ido a Venecia. Se va a Venecia y le dicen que está en Aviñón. En Aviñón más de lo mismo. Al parecer desconoce no ya la utilidad de internet, sino de un simple teléfono móvil ya que, en cada uno de esos lugares aunque le hayan dicho que el mozo no está, se lía a vocear su nombre a gritos por si acaso le contesta. Flipo. Ah, por cierto, en el primer viaje en tren, un desconocido con una máscara antigás la droga y la viola, llevándose consigo sus pertenencias, que le va devolviendo de cuando en cuando durante el viaje. Cualquiera con dos dedos de frente se daría cuenta que alguien debe estar siguiendo sus pasos. La pánfila ésta no: prefiere seguir paseándose y pegando voces por ahí. Eso cuando no está dormida, claro, cosa que hace algo así como su estado natural.

Pierdo la paciencia cuando caigo en la cuenta que en película absurda y tan repelente en su estética me está pervirtiendo uno de los elementos que más me gusta de Hierro 3, ese ángel guardián que cuidaba en silencio de la persona amada. Encima la pretenciosa cosa ésta – que visualmente es algo así como si usted o yo grabáramos nuestras vacaciones con una cámara medio decente e hiciéramos un Director’s Cut – no deja de dar vueltas alrededor de su único y antipático personaje, esa chica no muy espabilada que se pasa más de media película durmiendo o paseando sin rumbo fijo. Casi al final de la misma llora desconsoladamente durante unos cinco minutos. No me extraña. Yo mismo tengo ganas de arrancarme los ojos.

Me entero después que el tipo de la máscara antigás al que no vemos el careto en ningún momento es el propio director, que así se ha ahorrado pagar actores. E intuyo que su película, paseo por media Europa aparte, debe haberle costado menos que el presupuesto de su estancia en Donosti – les aseguro que el Hotel Maria Cristina vale una pasta por noche – y que estará encantado con su “evolución artística”. Yo pienso en las profundas emociones que me provocaron algunas de sus películas anteriores, en el placer estético que obtuve de ellas e incluso las reflexiones que plasmé en mis críticas y llego a la conclusión que el título no puede ser más adecuado. Mejor rezar un responso por su alma, porque de aquel brillante cineasta no parece quedar el más mínimo rastro.

ALBERT NOBBS, El doble reto de García y Close (Sec. Oficial Fuera de Concurso)

La complicidad evidente entre Rodrigo García y la flamante Premio Donosti Glenn Close quedó más que demostrada en títulos como Cosas que Diría con Solo Mirarla o Nueve Vidas en las que el director sacaba un magnífico rendimiento con pequeños pero intensos papeles de una actriz que cuando está bien dirigida puede con todo lo que le pongan por delante. El talentoso hijo cineasta de García Márquez le ha lanzado un reto apasionante con Albert Nobbs, película de época ambientada en la Irlanda de finales del siglo XIX donde Close interpreta con notable credibilidad y metiéndose a fondo en el personaje a una mujer que lleva toda su vida haciéndose pasar por hombre para trabajar como sirviente en un hotel hasta que pueda abrir su propio negocio.

Tal es su efectividad como mayordomo que la Close consigue no solo que nos la creamos como hombre de exquisitos modales y apreciada discreción, sino que la veamos como un trasunto de aquel maravilloso Stevens que Anthony Hopkins clavaba en la modélica Lo Que Queda del Día. La cosa va por otros derroteros, claro. Pero no en lo esencial: a Albert Nobbs, como a Stevens, le falta una vida personal, victima no solo de su dedicación al trabajo sino del haber estado representando su papel tanto tiempo que le resulta imposible disociar su verdadera identidad de su farsa. Cuando a su vida llega otra mujer que se hace pasar por hombre y que sí parece haber conseguido aquello que Albert anhela, pondrá en marcha una serie de decisiones de imprevisibles consecuencias.

Rodrigo García sale en general bien parado de su primera incursión en una película de época, apoyado en el extraordinario trabajo de su reparto – más allá de una extraordinaria Close, está muy talentosa Mia Wasikowska, una convincente Janet McTeer o el siempre fiable Brendan Gleeson, más un puñado de esos intérpretes británicos especialistas en hacer sus papeles secundarios de forma impecable para otorgar gran credibilidad al conjunto – y el habitual despliegue de medios en vestuario y dirección artística exigible a una producción de estas características. Es verdad que su película puede dar la sensación de ser previsible y no sacar más partido de la sugerente temática que maneja, quedándose en la superficie, pero no lo es menos que con semejante material habría sido fácil, muy fácil caer en el ridículo más terrible. Albert Nobbs, sin ser ninguna maravilla, es una película que se ve con agrado, irreprochable desde el punto de vista técnico, que recupera las esencias de ese James Ivory que sacaba buen partido de la lucha continua de sus personajes por escapar de las diferencias sociales, la necesidad de respetabilidad o los corsés de las apariencias, nunca mejor dicho.

Película además imprescindible para cualquier colectivo LGTB por la convicción con la que transmite su mensaje sobre la necesidad de afirmar la propia identidad más allá de las trabas que la sociedad te imponga – maravillosa secuencia la del paseo que acaba la playa, en la que queda de manifiesto dos formas casi opuestas de vivir una misma situación, en el que su tono humorístico inicial deja paso a un momento de liberación temporal sumamente conmovedor – Albert Nobbs es una película correcta que, más allá de su esfuerzo algo impostado en el tramo final por ofrecer al espectador algo de consuelo ante el destino de sus protagonistas, probablemente conseguirá para Glenn Close una nominación al Oscar. Que por cierto debería ser al Mejor Actor. Aunque lo merece más aun Janet Mc Teer.

Más allá de las dos películas de Sección Oficial el día nos deparó un par de estimables películas gracias a ese maravilloso salvavidas que son las Perlas de Otros Festivales de Zabaltegui, esa arma de doble filo que por un lado te permite ofrecer una selección de lo mejor de lo mejor visto en los certámenes del año, pero que por otro repercute directamente sobre la calidad exigible a la Sección Oficial.

Por ejemplo, la hermosísima directora y actriz libanesa Nadine Labaki, una habitual de Donosti donde ya triunfó en su momento con la simpática Caramel, presentó ¿Y Ahora Donde Vamos? película mucho menos inocente y mucho más valiente de lo que su tono ligero y complaciente puede transmitir mientras describe las cuitas de un pequeño villorrio perdido en las montañas en el que musulmanes y cristianos tratan de convivir mientras en el resto del país las guerras religiosas provocan cientos de muertes. Con un toque inequívocamente berlanguiano, esta inconfesa versión adaptada a las circunstancias del Líbano de la Lisístrata de Aristofanes desnuda con inteligencia, encanto y enorme sentido del humor el absurdo de las religiones mientras las mujeres del pueblo de uno u otro credo se afanan en conseguir mantener la paz del pueblo mientras los varones persisten en su actitud de enfrentarse a la más mínima provocación.

Labaki cede todo el protagonismo a las mujeres y exalta los valores de lo femenino que hay que poner en perspectiva haciéndolo desde el país que lo hace, como ya ocurriera en Caramel. La película posee un innegable encanto, algunas secuencias francamente divertidas y unas reflexiones sobre la religión más suculentas de lo que parece, llegando a extremos de lo más audaces. Además, Labaki se ha atrevido con el género musical insertando piezas coreografiadas en su película con resultados más que curiosos que desconciertan desde esa escena inicial que, en cierto sentido, remite al arranque de una película reciente de cierto cineasta manchego. No será una gran película, pero por momentos resulta irresistible.

También pudimos disfrutar de Martha Marcy May Marlene, inquietante relato de una joven que pide refugio a su hermana mayor tras pasar largo tiempo desaparecida en manos de una especie de secta de la que a duras penas ha conseguido escapar. La fuerza de la película consiste no solo en mostrar el terrorífico proceso por el que se consigue minar la voluntad de una persona, sino la inteligente forma en la que Sean Durkin, Mejor Director en Sundance, lo muestra en paralelo al choque que supone la irrupción de Martha (una esplendida en todos los sentidos Elisabeth Olson) en la vida de su hermana (una no menos acertada Sarah Paulson), produciéndose la sensación de que ambas situaciones, si bien muy distintas, son cárceles emocionales iguales para la frágil Martha.

La película resulta por momentos de lo más perturbadora y pese a que no consigue deshacerse de ese inevitable aire indie, cuenta a su favor con la presencia de John Hawkes, actor inquietante donde los haya que aquí, como en Winter’s Bone, vuelve a dar con un personaje de esos que transmite una constante sensación de peligro pese a su solo aparente fragilidad física, apoyándose en una mirada y una expresión corporal capaz de poner los pelos de punta al más pintado. Una interesante propuesta con algún toque malévolo a lo Hanecke y final abierto que invita reflexionar sobre lo sencillo que resulta a veces quebrar la personalidad de aquellos que andan perdidos y conseguir de ellos. Ejemplos hay a patadas.

SAN SEBASTIAN J01: intruders, No Habra Paz para los Malvados, El Arbol de la Vida

2011-09-17T11:24:00.016+02:00

INTRUDERS, Fresnadillo tras las huellas de Shyamalan

Si a alguno le quedaba el más mínimo resquicio de duda sobre si se dejaría notar la influencia en la programación de José Luis Rebordinos, nuevo director del Festival Internacional de Cine de San Sebastián en su 59 edición tras varios años ejerciendo de asesor del equipo de programación y muchos más como director del hermano pequeño y friki del certamen, la Semana de Cine Fantástico y de Terror, este debió disiparse según se enfrentaba a la película de inauguración de este año, Intruders de Juan Carlos Fresnadillo, obra de género a más no poder con la que el canario, plenamente integrado en Hollywood – recuerden 28 Meses Después – nos ha ofrecido su particular visión del cine de fantasmas. O no, según se mire.

La resultona Intruders especula con la posibilidad de que un ente sobrenatural esté acechando a la inquieta hija de un padre (eficaz Clive Owen) que también tiene sus propios fantasmas con los que lidiar, estos algo más mundanos y provenientes del pasado. Juega Fresnadillo bien con las convenciones del género ya desde el arranque donde enseguida quedan las cartas al descubierto: aquí de lo que se trata es de conseguir un más que correcto producto comercial que cumpla con su cometido. Si de paso se intenta aportar algo el género, aunque no sea precisamente nuevo – como juguetear con el público al respecto si lo que ocurre es verdaderamente algo sobrenatural o tiene más que ver con el resultado de traumas, amenazas de carne y hueso por muy fantasmales que aparezcan o directamente alucinaciones de una mente estresada – pues mejor que mejor. Fresnadillo se defiende bien en el aspecto técnico, sabe narrar en imágenes con soltura y, en algún momento aislado, incluso resultar de lo más inquietante (ojo a la escena del armario en la que padre e hija se enfrentan a la amenaza, muy bien resuelta) pero Intruders falla por algo fundamental, y es extraño que Fresnadillo no se haya percatado de ello. O quizás no le importe.

En sí, no es algo ni mucho menos malo seguir las huellas de cineastas y creadores que te antecedieron. De hecho, resulta de lo más saludable aprender de ellos, y plagiarlos, homenajearlos o reinventarlos dependiendo de la habilidad del cineasta del turno. Lo que resulta imperdonable es que la obra resultante te remita inmediatamente a un cineasta conocido… y llegues a la conclusión que estás ante un simple sucedáneo del mismo. Es lo que le sucede a Intruders, que remite de una forma tan evidente al primerizo y añorado M. Night Shyamalan, que es complicado, mientras uno ve las imágenes del trilladito guión de Intruders, no pensar en el realizador de El Sexto Sentido o La Joven del Agua. No es solo que con el material de partida de Intruders Shyamalan podría haber hecho maravillas en sus buenos tiempos (ese simbolismo, ese doble juego presente-pasado y realidad enfrentada al elemento sobrenatural, las implicaciones familiares) sino que incluso la apariencia de la amenaza de turno – alguien encapuchado de tal forma que no se le ve un rostro del que parece carecer – podría ser un trasunto del mismísimo Bruce Willis del tercio final de El Protegido (Unbreakable). Si a eso le sumamos una BSO deudora del habitual James Newton Howard cortesía del siempre eficaz Roque Baños, algunos recursos visuales marca de la casa y una resolución que no es exactamente una de esas sorpresas que te obligan a rebobinar la película en la cabeza (más que nada porque se ve venir a distancia) pero que en el fondo persigue efectos parecidos, la conjunción de elementos hace la comparación inevitable. E indeseada.

Porque claro, Fresnadillo es bueno, no cabe duda, pero no es Shyamalan en forma. Y lo único que Intruders consigue es, vaya, que añoremos al indio con más fuerza. Ojo, que Intruders no es ni mucho menos una mala película. De hecho es bastante correcta. Pero no aporta nada nuevo al género y a estas alturas del partido, es casi un delito. En su campo, Insidious de James Wan, por poner un ejemplo reciente, la superaría por clara goleada. Eso sí: ver a Hector Alterio jugar a ser Max Von Sydow de la mítica El Exorcista en una única escena tan chocante como innecesaria no tiene precio. Puestos a sablear referencias, que lo hagan los mejores…

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS, Urbizu y Coronado, desatados.

Había enorme expectación por ver lo que sucedía con la primera película a concurso de la Sección Oficial, nada menos que el regreso del tándem Urbizu-Coronado – que tan buenos resultados dio en la estupenda y áspera La Caja 507 y la magnífica y algo menospreciada La Vida Mancha, para el que suscribe una de las mejores películas españolas de este siglo – al frente de otro thriller que se prometía al menos tan duro y violento como Mourinho tras palmar con el Barça. Y la verdad es que no decepcionó lo más mínimo: No Habrá Paz Para los Malvados es una espléndida película, dura como el pedernal y afilada como una cuchilla, en la que un sobrecogedor Coronado transmite más o menos el mismo mal rollo y sensación de pelígro que el Malamadre con el que Luis Tosar nos heló la sangre en Celda 211. Solo que éste estaba detrás de los muros de una prisión y aquel anda suelto y con una placa de policía. Casi nada.

El arranque de No Habrá Paz… es tremendo: un policía violento y descontrolado en una noche de copas desata casi sin quererlo una matanza en un club de alterne. Y eso que al tipo lo ves venir de lejos, tal es la intensidad – y la brillantez, ojo – que le imprime Jose Coronado a su tremebundo personaje, que a partir de ese desafortunado incidente (una mala noche la tiene cualquiera) se embarca en una búsqueda desesperada por borrar sus huellas y no dejar cabos sueltos que, como ya le pasaba al personaje de Resines en La Caja 507, lo acabará implicando en un asunto bastante más gordo de lo que parecía al principio, una espesa red de intereses y criminales en la que sin embargo sus peculiares circunstancias lo convertirán en poco menos que el hombre más idóneo en el momento adecuado.

Tiene Urbizu la facultad de conseguir que el espectador se sienta a la vez que plenamente incómodo por lo que ve en la pantalla, tal es la naturaleza profundamente perturbadora de lo que cuenta, como en su propia casa por reconocer los ambientes en los que se desarrolla. Y es que Coronado resulta igual de creíble disparando su 38 que hartándose de cubatas en la barra de cualquier bar de esos que podrían estar debajo mismo de nuestro domicilio o al lado de nuestro trabajo. Ayuda, por supuesto, un guión sólido que despliega con eficacia una tupida red que va entrelazando con enorme habilidad los distintos elementos o hilos de la película, contraponiendo a la aventura en solitario del depredador Coronado a las investigaciones según el manual que desarrollan la juez y el policía Leiva, como un espejo deformante cada uno de la realidad del otro, que convergen en un determinado punto para separarse después justo antes del desenlace.

No se corta un pelo Urbizu ni en la brutal descripción de los métodos utilizados ni en la terrible lectura que hace de una sociedad poblada por supervivientes que no se paran en barras a la hora de conseguir sus objetivos. Sin embargo todo fluye con una facilidad pasmosa, te crees sin dificultad a esos personajes, sientes miedo ante la violencia continua que ejercen o parecen estar a punto de desplegar, reconoces con estupor hechos recientes que bien podrían haber sucedido de esa forma. Y acabas por aceptar la inevitable explosión final como casi la única forma de salir del atolladero donde se embarcan sus criaturas, que cuando Urbizu y su extensión en la pantalla Coronado dan rienda suelta al infierno que llevan dentro, no hay donde esconderse. Resulta sobrecogedor asistir a semejante despliegue. Y aun más descubrir que está tan cerca de nosotros.

EL ARBOL DE LA VIDA, Simplemente descomunal

Sin embargo, pese al protagonismo mediático del equipo de la película de Fresnadillo y la brillantez de la violenta propuesta de Urbizu la jornada de ayer perteneció por completo a Terence Malick y su El Árbol de la Vida, Palma de Oro a la Mejor Película del Festival de Cannes, Gran Premio Fipresci de la Crítica Internacional a la Mejor Película del año y estrenada simultáneamente en los cines comerciales y en el pase de prensa vespertino del Festival ante una prensa ansiosa de comprobar si estaba ante la obra maestra del año que muchos que pregonan o ese globo pedante pagado de sí mismo que algunos de sus detractores llevan semanas denunciando.

Hacer un juicio de valor apresurado de una película tan descomunal como la quinta película en cuarenta años de Terence Malick, un señor que tiene en su haber obras tan indiscutibles como Días del Cielo, Malas Tierras, La Delgada Línea Roja o El Nuevo Mundo, sin dejar pasar un tiempo más que prudencial para digerirla, a ser posible lejos de un ambiente tan sobrecargado y viciado como el de un Festival de Cine como éste sería tal imprudencia por mi parte que no tengo la más mínima intención de cometer semejante error. Baste decir que el que esto suscribe se quedó literalmente pegado a la pantalla ante el atrevimiento de Malick de acometer una obra cósmica que intenta abarcar desde el dolor de la pérdida de un hijo, el siempre difícil proceso de crecimiento de éstos y el aprendizaje de los valores que le transmiten, a menudo con mensajes contradictorios, unos padres que lo hacen lo mejor que pueden hasta el origen mismo del universo, big bang y dinosaurios enseñoreándose por la Tierra incluidos. Malick es grande en lo pequeño y pequeño cuando intenta abarcar lo grande. El Árbol de La Vida me parece una película tan abrumadora, excesiva, agotadora, bella, cruel, lírica, demoledora, subyugante, ambiciosa, magnífica, brutal y única – sobre todo eso, ÚNICA – que no me queda otro remedio que dejar para mejor ocasión el análisis detenido y reposado que sin duda merece. Para echarle de comer muy aparte.

Eso sí, si tiene la suerte de disponer de un cine cerca donde la pongan, no deje pasar la oportunidad de ir a verla. Va a descubrir una experiencia como nunca antes ha vivido en un cine. Lo que no quiere decir necesariamente que ésta vaya a ser de su gusto, cosa bien distinta. Sé que lo que voy a decir a continuación posiblemente me hará pasar por no pocas situaciones incómodas en el futuro, pero un servidor jamás había visto una película antes que le hiciera sentir con tanta intensidad la importancia de llegar un día a tener hijos. O no desear tenerlos jamás por el miedo al fracaso. Una de las dos cosas. Probablemente la primera. No es poco mérito para una película a la que cualquier conjunto de adjetivos – ya sean positivos o negativos - se queda corta para empezar siquiera a abarcar la enormidad de su propuesta.

LA PIEL QUE HABITO, La Identidad Inaccesible

2011-09-06T23:22:00.014+02:00

Con el paso de los años y debido sobre todo a la evolución de su filmografía en lo que va de siglo – recapitulemos, Hable Con Ella (2002), La Mala Educación (2004), Volver (2006), Los Abrazos Rotos (2009) y ahora La Piel Que Habito (2011) – acercarse a cada nuevo trabajo de Pedro Almodóvar supone un ejercicio tan incómodo como apasionante. Incómodo porque el realizador manchego parece haberse empeñado en recorrer un camino que tiene tanto de huida de sí mismo como afán de satisfacer las siempre desmesuradas expectativas que se generan a su alrededor, lo que se traduce en una progresiva asunción de riesgos rayano en lo suicida capaz de surtir de munición fresca a sus muchos detractores y de desconcertar al mismo tiempo a sus fieles, que buscan en vano sensaciones parecidas a las ya experimentadas y, aun encontrándose en terreno reconocible, descubren otras nuevas que no siempre pueden ser de su agrado. Apasionante resulta también ver a un creador tan personal como Almodóvar buscar nuevos espacios para jugársela y evolucionar, asomarse a su interior y comprobar cómo, lejos de esconderse, va cada vez más de frente; que su cine, ya de por sí casi siempre al límite, se estira aun más en un saludable ejercicio de inconformismo, algo de por sí digno de elogio aunque de tanto pasearse por el borde del abismo, se despeñe unas cuantas veces. Como es el caso.

Porque eso es lo que ocurre en La Piel Que Habito, película desequilibrada y extraña capaz de irritar profundamente mientras se ve por sus evidentes excesos y sus poco perdonables defectos, pero que al mismo tiempo posee la rara cualidad – ausente por cierto en su anterior película, Los Abrazos Rotos, que provocaba poco más que una mezcla de hastío, decepción y nostalgia por los tiempos pasados solo paliada por algún momento brillante aislado – de quedársete dentro como si de un perturbador virus se tratara y, una vez reposada, seguir dando vueltas en tu interior mientras uno intenta bucear más allá de lo epidérmico. Y es que, como la invulnerable piel que Ledgard construye para Vera, el último trabajo de Almodóvar no pone nada fácil al espectador penetrar en su interior. Por así decirlo, es una película que lejos de abrazar al espectador, trata por todos los medios de establecer cierta distancia con él.

El arranque de La Piel Que Habito deja de forma premeditada al espectador en terreno de nadie. Uno tiene la sensación de haberse subido a un tren en marcha sin que se le den demasiadas explicaciones. Almodóvar pisa a la vez terreno conocido – ahí están sus pulsiones de siempre: la pasión, la dinámica entre carcelero y victima menos evidente de lo que parece a simple vista, la venganza, un pasado tenebroso que marca el presente, la pérdida, la búsqueda de la redención, etc – pero envuelto esta vez con ropajes algo distintos: la ciencia ficción, la transgénesis, coqueteos con el terror. Navega con habilidad entre géneros, lo que no es algo precisamente nuevo, y trufa como siempre de referencias cinéfilas su propuesta – en primer plano, la reivindicación notoria de una obra clásica del fantástico europeo, Los Ojos sin Nombre (Les Yeux Sans Visage, Georges Franjul, 1959) cuya importancia y vigencia algunos hemos descubierto gracias a esta película, pero también la siempre omnipresente sombra del Vértigo de Hitchcock y una variante muy perversa del Frankenstein de Mary Shelley – sin que ello resienta su capacidad habitual de traerse dichas referencias a su terreno.

La epidermis de esta La Piel Que Habito es tan volátil, tan incandescente, que resulta casi imposible hablar de ella sin alterar para siempre su capacidad de sorpresa, pues bastaría una simple descripción de los personajes que la protagonizan o una mínima sinopsis de la trama para condicionar de forma irreversible su visionado. Eso explica por qué, a diferencia de lo sucedido en otras ocasiones, la maquinaria publicitaria de Almodovar ha estado tan en segundo plano que tengo el íntimo convencimiento que su realizador habría preferido incluso no participar en Cannes o mostrar su película en pases previos para llegar lo más virgen posible al público. Sin embargo, para sortear esa dificultad y cumplir con el objetivo de este artículo, uno puede hablar de sensaciones y aspectos del filme que llaman poderosamente la atención.

Por ejemplo, es imposible no establecer un paralelismo entre el forzado hieratismo, esa sobriedad mediante vaciado de sus recursos actorales más habituales que Pedro impone a Antonio Banderas en su reencuentro veinte años después de Átame – con un personaje que pese a ciertos inevitables parecidos argumentales en realidad está en las antípodas de aquel inconsciente de buen corazón que secuestraba a Victoria Abril para que se enamorara de ella – con el propio deseo del cineasta de escapar de su universo más reconocible por la vía del género. De la misma forma, la fascinación por lo femenino que se recrea y deleita en el cuerpo y la belleza casi sobrenatural de Vera – jamás se ha visto a Elena Anaya más hermosa en una pantalla – y su choque con lo masculino, el juego de poder y sumisión que se establece entre creador y criatura en los primeros compases del filme engancha de forma notable al espectador y lo atrae hacia un esquema tan transgresor como estimulante. La frialdad aparente producto de la artificialidad de la puesta en escena esconde, como pasa a menudo en Almodóvar, un volcán de sentimientos que, aun faltándole datos esenciales, el espectador percibe que estallará tarde o temprano.

Pero hete aquí que, cuando tiene cogido por el cuello al espectador, de manera tan sorprendente como grotesca, el director cambia el tercio e introduce un personaje horrendo, insostenible, quizás una especie de guiño a los excesos de vodevil del Almodóvar más ochentero, un fulano disfrazado de tigre y con acento brasileño (pobre Roberto Álamo) que, en complicidad con una Marisa Paredes transmutada en una versión de Douglas Sirk del ama de llaves de Rebeca, dinamita no ya la fascinación sino la misma credibilidad del filme y lanza tan por los aires al espectador que no es de extrañar que alguno no vuelva jamás a introducirse bajo la piel de la propuesta. Es un arrebato tan brusco, un defecto tan poco perdonable e impropio de un maestro de la narración como Almodóvar que uno ha de frotarse los ojos para creerlo.

No será la primera vez que el director se despeñe por el abismo: a partir de aquí virtudes y defectos conviven y se alternan en un carrusel agotador y errático. Tan pronto uno puede fascinarse por el complejo artefacto narrativo de la película – el suministro de la información al espectador está muy pensado y su estructura fragmentada, similar a la que ya utilizara en La Mala Educación y Los Abrazos Rotos, lejos de ser caprichosa, tiene su razón de ser – como alucinar por la precipitación hacia la caricatura de sus personajes, deleitarse con el atrevimiento del director según se va desvelando la verdadera naturaleza del filme como constatar la deriva de la progresión dramática, que llega a extremos tan anticlimáticos en secuencias que parecerían exigir todo lo contrario que no es de extrañar esas risas nerviosas en Cannes en momentos clave de las que hablan las crónicas. Ese humor, tantas veces seña de identidad y poderosa arma del cineasta, aquí no se busca y sin embargo surge involuntario cuando no provocando cierto sonrojo, jugando a la contra de los intereses de la película.

Se mueve pues Almodóvar en la fina línea que separa lo ridículo de lo sublime. Tanto que la borra en muchos momentos y ni la cuidadísima puesta en escena que narra mucho más en imágenes lo que habitualmente el manchego solucionaba verbalizando en exceso, ni la magnífica fotografía de José Luis Alcaine, ni las logradas interpretaciones de Banderas y Anaya, obligados a apoderarse de sus personajes y trascender sus debilidades, ni la enésima maravilla musical compuesta por el siempre fiable Alberto Iglesias, capaz de llevarte en volandas en muchos momentos del filme, ni tan siquiera las interesantes referencias a la obra de Louise Bougeois – qué clarividencia por parte de Almodóvar escoger precisamente a esta artista para recrear su obra por parte del personaje de Vera, con toda la carga simbólica que ello implica para cualquiera familiarizado con la misma - consiguen que uno termine de desprenderse de esa esquizofrénica sensación de exceso, de inconsistencia, de descuido en detalles esenciales que afectan a la credibilidad general de la propuesta.

Flaco favor le ha hecho Almodovar acuñando esa expresión de “terror frío” con la que pretendía adjetivar su película: más allá de ese primer plano que nos sitúa en Toledo y el escalofrío que a uno le recorre la espalda al relacionar de forma involuntaria el estreno del filme con los draconianos recortes del estado del bienestar que Dolores de Cospedal ha aplicado esa misma semana en Castilla-La Mancha, anticipo temible de lo que nos espera en años venideros, es reduccionista y no resulta en absoluto adecuada para una obra tan extraña y en cierto modo inclasificable como La Piel Que Habito.

Y en el fondo de todo esto, surge poderosa la conexión final de la película con por un lado uno de los temas recurrentes y más queridos del cine de Almodóvar y al mismo tiempo la lectura que uno puede hacer de ese tema en relación a la propia figura del cineasta, a su imagen exterior y su yo interno. Desde ese punto de vista, la relación entre el argumento de La Piel Que Habito, su cuestionamiento de la identidad como algo inaccesible no ya para el otro sino para uno mismo llevado al extremo y que obliga de forma constante a leer entre líneas se convierte en una reflexión apasionante para todos aquellos que consideramos a Almodóvar, con todos sus defectos y su capacidad de cabrearte y decepcionar tus expectativas hasta límites insospechados, como uno de los cineastas más personales y estimulantes de los últimos tiempos.

En otras palabras, vayan a ver La Piel Que Habito y saquen por sí mismos sus propias conclusiones, que bien pueden diferir de las mías. No les garantizo que les guste, es más, probablemente la detesten. Pero nadie les podrá arrebatar ese estimulante buen rato debatiendo sobre ella, incluso aunque sea para preguntarse por las motivaciones últimas de ese espécimen único e inclasificable llamado Pedro Almodóvar.

LA PIEL QUE HABITO EN DÍAS DE CINE

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE Parte II: Fin de una Era

2011-07-17T14:44:00.011+02:00

La decisión tomada en su momento de dividir el séptimo y último libro de las aventuras de Harry Potter en dos películas ha dado lugar a un fenómeno de lo más interesante. Por un lado la primera parte desconcertó a un buen puñado de los seguidores de la serie al configurarse como una obra de corte intimista cuyo ritmo, mucho más cadencioso, y tono, aun más melancólico y sombrío, parecían el fruto lógico de la evolución de una serie que ha ido arrinconando progresivamente el sentido del humor y la parte lúdica de la aventura que marcaron sus primeras entregas, convirtiendo cada nueva película en una experiencia cada vez más desasosegante. Exiliados, confusos y perseguidos, Potter, Ron y Hermione deambulaban por tierras inhóspitas más propias de un, digamos, Cormac Mc Carthy que del luminoso y mágico mundo presentado por J.K. Rowling. A eso hay que sumarle que, al arrancar esta última película a la mitad del nudo del libro, uno pueda sentir cierta sensación de vértigo: Yates y Kloves no se andan con tonterías ni recordatorios y desde la primera secuencia, con ese sombrío plano dreyeriano de Snape observando desfilar a sus pupilos en lo que no es sino un claro guiño al Metropolis de Fritz Lang, sienta las bases de ese tono trascendente del que se sabe cercano al duelo-clímax final y lo anticipa y sostiene como un trompetista de jazz una nota aguda de principio a fin, lo que por momentos puede resultar algo agotador.

Así pues, si uno no tiene más o menos actualizados sus conocimientos del universo Harry Potter, corre el riesgo de perderse de vez en cuando no solo por un argumento que da por sentado que has visto las siete películas anteriores sino que lo has hecho ayer mismo, tal es el recorrido por escenarios previos de la saga, referencias a hechos anteriores y a pasados de personajes que incluyen intrincadas genealogías, relaciones cruzadas, juegos de apariencias y, claro está, encajes de bolillos para atar los numerosos cabos sueltos dejados aquí y allá en estos años. Cine serial en estado puro, que no se detiene a pensar si resulta suficiente con lo que ofrece por sí mismo sin la ayuda de los libros porque asume que el espectador de las películas es asimismo lector, presunción cuanto menos peligrosa. Sin embargo, así está establecido el juego de esta franquicia desde el principio. La última entrega es solo la exacerbación del mismo hasta límites insospechados que la convierten en un fenómeno francamente curioso y hasta me atrevería a decir que único en la historia del cine.

Una vez dicho esto, hay que señalar que David Yates ha ido consolidando su pericia como realizador con cada una de las cuatro películas de la serie de las que se ha encargado, con lo que todos hemos salido ganando. Si la primera parte de Las Reliquias de la Muerte era una película íntima que precisaba de una atmósfera melancólica muy particular, en la segunda el choque del Bien y el Mal con Hogwarts como campo de batalla domina la mayor parte del filme, con lo que se precisaba un trabajo de corte épico del que Yates sale bastante bien parado. A ello ayuda no poco el excelente trabajo del equipo de dirección artística, los impecables efectos visuales y, por encima de todo, los soberbios trabajos del maestro Eduardo Serra en la fotografía y de un cada vez más inspirado Alexandre Desplat en una BSO sumamente compleja, épica y cálida a la vez.

Lo cierto es que Yates se las apaña bastante bien para, en el marasmo de luchas, choques de varitas y destrucción masiva, generar emoción en algunos momentos en los que uno puede sentir a la platea contener el aliento en silencio. Poco importa que el trío de actores principal no ofrezca mayores registros interpretativos de lo visto hasta ahora, que el desnarigado Voldemort sea un espantajo cada vez mayor en manos de un Ralph Fiennes desatado al que el doblaje le otorga la misma capacidad de atemorizar que aquel doberman de voz aflautada de Up, que las bajas se vayan acumulando sin apenas tiempo para asimilar su desaparición o que sutilidades de la trama transcurran con demasiada rapidez ante nuestras retinas en esa apresurada carrera por llegar al duelo final: Yates lo compensa con un buen sentido del ritmo, sacando partido de ese Alan Rickman que nos confirma una vez más que su Severus Snape es el más complejo y mejor personaje de la saga, haciendo que Maggie Smith cobre un inusitado protagonismo o dejando que la música de Desplat y la foto de Serra se apoderen de la función para cubrir cualquier carencia.

Curiosamente, el clímax final tiene algo menos de fuerza que algunas de las escenas precedentes, posiblemente porque sostener la película en un plano tan trascendente tanto tiempo acaba por cobrarse su precio. Pero pese a eso y a un sonrojante epilogo final que no funciona por pura falta de credibilidad – atención al careto de agobio que tiene la nueva generación ante la perspectiva de ir a Hogwarts y compárese con la primera película: parece como si todos supieran los terrores que allí les aguardan – la verdad es que esta Harry Potter y las Reliquias de la Muerte es un cierre más que digno a una saga repleta de claroscuros que, siendo justos, ha tenido tiempo de ofrecernos a lo largo de una década muchos momentos espléndidos – sigo pensando a día de hoy que la mejor película de la saga es la de Cuarón, Harry Potter y el Prisionero de Azkaban – mezclados con otros episodios mucho menos brillantes. Aun así, no conviene relativizar la importancia del fenómeno Harry Potter: el hueco que deja su desaparición será difícil de cubrir por otra saga capaz de aunar aventura, fantasía, magia, ternura y tenebrismo con tanta habilidad como la creada por J.K. Rowling, retroalimentada a su vez de su traslación en imágenes a la pantalla en sus últimas entregas. Lo dicho, un fenómeno digno de estudio.

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE II EN DIAS DE CINE